Javiera Mena, maga de la arquitectura pop, los sintes y la pista de baile
Hace veinte años, Javiera Mena publicaba Esquemas Juveniles. Un álbum con el que comenzaba a construir una identidad artística. Eso acabaría convirtiéndola en una de las figuras más reconocibles del pop latinoamericano.
Mena no solo musicalizó el despertar del nuevo pop independiente en Chile y el del Sur Global. También construyó un lenguaje propio donde la pista de baile, la electrónica analógica y una sensibilidad lírica muy particular conviven de forma natural.
Dos décadas después, aquel primer disco ocupa de nuevo un lugar central en la
trayectoria de la artista chilena. 2026 marca el 20vo aniversario de Esquemas
Juveniles y Javiera Mena lo celebra con una gira internacional dedicada al álbum,
que tendrá además una reedición especial en vinilo prevista para finales de
noviembre de 2026, inicialmente para el mercado chileno.
A lo largo de su discografía, desde el lo-fi luminoso de Esquemas juveniles hasta la madurez nocturna y envolvente de sus entregas recientes, su obra se ha convertido en un referente de libertad creativa y autogestión en el pop de habla hispana. Nos sentamos a conversar con ella sobre la evolución de sus álbumes, el motor invisible de sus procesos y la magia de transformar el dolor o la euforia en canciones inolvidables.
20 años de Esquemas Juveniles y mutación del sonido
Pregunta: Celebrar dos décadas de Esquemas juveniles implica mirar a la cara a la Javiera Mena de 2006. Al volver con un repertorio bastante largo para este tour de aniversario, ¿qué descubriste sobre esas canciones (nuevamente) o que hoy, con toda tu trayectoria como productora, entiendes desde una perspectiva totalmente distinta?
Respuesta: Se siente hermoso la verdad, me siento coherente con toda mi obra. También un desafío, sobre todo en el concierto, traer al presente, no solamente el Esquemas juveniles, sino canciones de toda mi carrera y que se sienten como una unidad. Porque cada disco venía de un momento diferente, en cuanto a la tecnología, los programas y los sintetizadores, entonces eso fue un desafío, hacer esta revisión en vivo, en la cual conviven canciones que están hechas el año pasado con canciones hechas hace 20 años y que no se siente una diferencia tan grande.
Creo que quedó bastante bien. Y un desafío también es ¿qué vendrá después? Porque al revisar para atrás, es preguntarse ¿y ahora qué viene para adelante? Es el gran desafío, yo creo, que me toca ahora asumir.
P: Si uno escucha ese debut y lo cruza con discos como Otra era o tus producciones más recientes, el viaje es evidente: de la habitación y la guitarra acústica al sintetizador y el club. ¿En qué momento sentiste que el dormitorio te quedaba chico y que la pista de baile era el hábitat natural para tus canciones? ¿lo recuerdas?
R: Yo creo que siempre me gustó la electrónica, siempre me gustó lo que puede producirte una canción que te de ganas de bailar. En Esquemas Juveniles lo intenté un poco con algunas canciones y después en el segundo disco ya lo intenté más, pero siempre quería hacer eso, lo que pasa es que no lo terminaba de cuajar con las herramientas que tenía, y resultó lo que resultó y está muy bien.
Siempre lo quise hacer porque a mí me gustaba mucho bailar siempre. Creo que lo más lindo del ser humano es bailar.
P: ¿Cuál es tu álbum favorito? Una anécdota o recuerdo difícil de olvidar.
R: Bueno, en todos me han marcado momentos difíciles, que es lo que hace componer, es una especie de purga. Mi favorito es Mena, el segundo, porque no había tanta inocencia como en Esquemas Juveniles, en cuanto a música ya sabía cómo hacer las cosas, me gustan todas las canciones.
Me gusta porque composicionalmente yo ya estaba terminando la escuela de composición y creo que agarré una cosa más académica en el sentido de los acordes, o sea, más de escuela y también súper libre.
Me gustan mucho las canciones de ese disco, cómo está armado también y esa cosa ochentera que tiene. Y me estaba atravesando el desamor como siempre, como en todos los discos (risas).
Procesos creativos y espacios de producción para las mujeres
P: Históricamente, la cabina de producción y la ingeniería de sonido han sido espacios fuertemente masculinizados. Ser no solo la voz y compositora, sino la mente detrás de los sintetizadores y la mezcla de tus propios discos, supone una toma de posición muy clara. ¿A qué fricciones te enfrentaste en tus inicios como mujer productora en el estudio y cómo ves el ecosistema actual para las creadoras que vienen detrás?
R: Algo que habla Björk es que cuando llegan los periodistas te preguntan ¿quién te está haciendo la música? ¿Quién es el compositor? ¿Quién produce? Sin meterse con las intérpretes/cantantes, pero era como, tú estás cantando y poniendo tu cara y tu voz, pero ¿dónde está el cerebro aquí? Yo hago mis canciones. Si trabajo con productores igual, pero me daba cuenta que mis compañeros varones. Por ejemplo, en las notas yo me daba cuenta, no les ponían y este disco con el productor que trabajaban con él mismo.
Como, siempre poniendo énfasis la prensa en que hay alguien detrás, como, ¿quién le está haciendo las cosas a esta señora, a esta mujer? Y también en el estudio de música yo soy muy nerd. Me gusta meterme en el computador, entonces imagínate escucharlos decir, ni se te ocurra sentarte tú, ni agarrar ni una perilla. Por favor, las mujeres atrás sentadas, ¿cachai?, el hombre no tenía ni un límite, me siento aquí y ya. Y eso pasa hasta el día de hoy igual.
Son más cabrones igual en el estudio pero cada día ha ido cambiando eso. Sin lugar a dudas, las mujeres productoras metidas en la física del sonido somos muchas menos, muchas menos.
P: En tu música, el ritmo y el bajo son arquitectónicos; empujan el cuerpo. ¿Cómo nace hoy una canción de Javiera Mena? en un sentido de proceso creativo. ¿El chispazo viene primero de una melodía vocal, de un patrón rítmico programado o de experimentar con un sintetizador analógico?
R: Todo a la vez, todo a la vez.
Igual depende, he tenido diferentes etapas. Por ejemplo, el último disco fue más conceptos antes. Ese también fue un disco diferente, porque yo siempre compongo sola y el último disco lo hice con Luichi, de la banda Cupido. Nos sentábamos como ahí, de hecho fue un disco madrileño, nos sentábamos ahí en Chueca, nos tomábamos un café, hablábamos de lo que nos estaba pasando, «es que me agarró el celular, o lo que sea, me sentí celoso», y de ahí subíamos y empezábamos el tema. Pero venía del concepto.
Pero yo sola tengo una especie de ritual, que es estar solita. Empiezo a tirar acordes, una melodía, y esa melodía me empieza a tirar concepto. La música me manda el concepto. Los mismos acordes, la tristeza, la melancolía o la alegría, me empiezan a decir qué tengo que decir.
Y paralelamente, obviamente, yo estoy siempre leyendo filosofía. Eso también es parte de la composición. Absorder del mundo un poco de qué conceptos voy a tratar en las canciones.
P: Toda gran productora tiene sus fetiches sonoros o rituales de estudio. Más allá de la computadora y los plugins, ¿cuál es ese objeto físico, pedal analógico o instrumento de cabecera sin el cual una canción tuya simplemente no puede nacer?
R: El computador no puede faltar. La verdad, poco romántica (risas). Mi gata, mi gata no puede faltar. Pero bueno, ahora la tengo en Madrid, yo me fui a Chile, así que la tengo que recuperar pronto para seguir componiendo. Se llama Lea, va a cumplir once ya, ya es una señora mayor (risas).
Migración, impacto social y político desde la música
P: Desde tus primeras composiciones, la celebración del amor entre mujeres y el deseo libre se plasmaron con una naturalidad que, hace veinte años en el pop latinoamericano, era revolucionaria. ¿Cómo viviste la urgencia intuitiva de ponerle palabras y luz a esos afectos sin caer en lo cliché?
R: Con naturalidad y con normalizar. Con que no sea tema, a pesar que para los periodistas sí ha sido tema y para el mundo, para mí no. Entonces creo que en mi música se siente como algo muy natural, como, estoy hablando del amor entre dos chicas y digo la, y en el videoclip son chicas y it’s not a big deal ¿cachai?
Por ahí va lo mío, desde un lado luminoso, bonito. A pesar de que obviamente para los heterosexuales, o para todos el amor puede ser algo oscuro a veces. Yo creo que con naturalidad y con pop, con colores, con vida y con música para bailar, puede ser por ese otro lado.
P: El pop suele codificar los afectos, pero tú has cantado al amor queer con euforia y luz, lejos de la carga trágica que solían imponer la literatura o el cine. ¿Sientes que la pista de baile y el pop pueden funcionar como herramientas de reparación social y refugio para quienes buscan verse reflejados?
R: Sí, mucha gente me lo dice, y obviamente para la comunidad pero también mucha gente que está deprimida, por ejemplo, me dice que les sirve mi música, que no tiene por qué ser lesbiana o gay, entonces siento que es un refugio, la música en general, pero en mi caso mi música creo que tiene un componente bastante de autoayuda, siento como las letras, a pesar de que sea música para bailar, tiene como una cosa profunda de superación, de luminosidad, de melancolía, que conecta con diferentes tipos de personas y obviamente también 100% con la comunidad LGBTQ.
P: ¿Qué se siente tener dos casas?
R: He sentido el desarraigo igual fuerte, eso ha sido algo que me ha marcado un montón, porque aún no me siento ni de Chile ni de España, o sea, no, yo soy chilena, sí me siento de Chile, pero en términos de habitar, viví 7 años acá, pero aún no me voy del todo, ¿cachai? Estoy viviendo en Chile en un departamento que tampoco es como 100% mío, está amoblado, ya eso te dice algo.
Voy un montón a Argentina, me quedo un montón, y estoy siempre dando vuelta un poco en el desarraigo, en decir, ¿dónde estoy? ¿cachai? No tengo esa rutina de un año. Incluso las estaciones. El ritmo circadiano medio loco, pero es parte de mí y es parte del camino que yo he elegido también. Es un poco expandir mi música por habla hispana, que es un sueño también que ando persiguiendo.
El desarraigo pesa, pero también es bonito, encontrarte con diferentes culturas, diferentes músicas, inspira, y diferentes amigos en todos lados también. Nunca puedo soltar el WhatsApp. Se despierta alguien en México y me habla y yo soy muy amiguera, muy chatera. Ahí ando, me gusta mucho habitar estos territorios, pero el desarraigo también tiene una cosa dark, también, como ¿dónde estoy?
P: ¿Cómo afrontas los cambios políticos y sociales en la historia de Chile desde tu música?
R: Como latinoamericana, yo me crié con los paros, me crié con las huelgas, me crié con las universidades tomadas, de hecho Esquema Juveniles es un disco emblemático de todas las tomas estudiantiles.
En Chile tuvimos un estallido social. Es bastante caos lo que pasa en Latinoamérica. Ahora ver que ayer, hubo una huelga general en Madrid, que hace 14 años no había una… S estaban peleando con los pacos aquí, son cosas que yo viví toda mi vida. Entonces, claro, nosotros vivimos en eso, ¿cachai? Sobre todo en Chile, que es un país que siempre está en constante conflicto. Somos muy ataosas, como decimos los chilenos.
Entonces, verlo acá y ver que se está emparejando un poco todo, Europa, que uno lo veía como un palacio, ¿cachai? Los castillos, y de repente ver que la gente está peleando por cosas que yo decía que jamás se iban a perder. Realmente pienso en el Joker así, al tiro de una, todo el mundo así.
Y obviamente también hay muchas cosas ahí que están en juego. Pero como latina, siempre yo decía aquí en Europa se quejan, no pasa nada ¿cachai?. Ahora veo que realmente sí hay algo muy heavy pasando y nos estamos algo así como igualando. Pero igual estando en Europa, me siento muy agradecida también.
Creo que a los latinos nos pasa mucho que venimos para acá, después de haber vivido tanto caos y me siento agradecida. Pero se está metiendo el caos acá también.
Las colaboraciones, el cuidado creativo y la importancia del ‘en vivo’
P: Cuando empezaste, la autogestión era una necesidad de supervivencia, pero la convertiste en un modelo estético. Hoy, en la era de los lanzamientos semanales y la urgencia del algoritmo, ¿cómo proteges tu libertad creativa y tus tiempos de producción frente a estas lógicas de consumo acelerado?
R: Tengo herramientas severas, tengo una caja que es para meter el móvil y que te pone como un tiempo y no lo podés sacar, una caja de bloqueo del móvil. Es que me encanta, por esto que te digo del WhatsApp, hablar con mis amigos, al final se me van horas y horas solamente en eso. Tengo mucha comunicación con mucha gente, entonces tengo que ponerlo dentro, cuando tengo que crear, voy a mi habitación y meto el celular dentro de esta caja, luego esta caja dentro del closet y la habitación la cierro con llave, ¿cachai?
El móvil es la droga número uno que hay, lo cuido así, cuidando mi tiempo y tratando de tener momentos de salir sin el móvil, ¿cachai? Es el enemigo de la creación, porque la creación necesita: ‘el no hacer’. Estaba viendo un documental de Claudio Naranjo, hermoso, y él habla del no hacer para que pasen cosas, de sentarte en una plaza y que te pegue el sol, horas, ¿cachai? ¿Quién hace eso ahora? Nadie, nadie, absolutamente nadie, es importante tratar de hacerlo.
Yo igual viví un tiempo que sí pasaba eso, en Esquemas Juveniles yo tenía que ir a sentarme al messenger para conversar, con el Mena también, esta aceleración ha sucedido en los últimos siete años. Entonces sí, trato de conectarme con esos momentos en que uno tenía que ir a internet para buscar cosas, no que el internet estaba consumiéndote.
P: Tus discos de estudio tienen una producción milimétrica, pero en directo las canciones mutan y cobran una dimensión física arrolladora. ¿Cómo gestionas esa metamorfosis del estudio al escenario y qué tanto espacio le dejas a la energía del público?
R El en vivo para mí es una cosa ya. Es una evolución que me ha pegado, porque a mí me costaba mucho el en vivo, al principio porque yo era muy de estudio, y no tenía la experticia, era muy tímida también, entonces lo he ido desarrollando.
El en vivo es algo que está ocurriendo ahí que no va a ocurrir nunca más, como cuando veo una sinfonía, los músicos están tocando ahí, y está ocurriendo. La música antes sonaba así, de ninguna otra manera, por eso yo me preocupo tanto que mis conciertos sean no una reproducción exacta, 100% de una canción tras otra, sino que sea una experiencia, que no pare, que tenga mucho que ver con la pista de baile también, y con las baladas.
Por ahí va lo mío, esa experiencia la gente, que ojalá que no saque el celular, que estén sintiendo cosas. Para mí es tan importante el disco que el en vivo, yo le dedico la misma cantidad de tiempo, invierto la misma cantidad de dinero al hacer el show en vivo, que al hacer el disco, 100%. El sonido suena diferente, los arreglos son diferentes, todo es diferente respecto al disco, porque básicamente lo grabé en un estudio.
Incluso ni los videos que sube la gente del concierto lo captan, es imposible captarlo, es imposible.
P: Has colaborado con artistas de distintas generaciones y latitudes, logrando siempre que tu identidad pop impregne cualquier terreno. Cuando te enfrentas a una nueva colaboración o a la producción de un nuevo ciclo musical, ¿qué es lo primero que buscas en el otro para saber que la alquimia va a funcionar?</b></b>
R: <span style=»font-weight: 400;»> Que sean genuinas. Nunca he hecho una colaboración así, aunque resultan igual, pero el mundo quiere que uno colabore, ahora me doy cuenta, cuando uno hace un tema de colaboración tiene cuatro veces más streams y eso la gente te dice ¡oh, que es un éxito! </span></p></span>
e=»font-weight: 400;»>Y yo por ejemplo las elijo, por ejemplo a Santi de <i>Santiago Motorizado, lo elegí porque lo admiraba mucho y él también resultó que me admiraba mucho a mí, de hecho era muy, muy fanático de mi música.</span> Con f=»https://www.youtube.com/watch?v=dzrwsUHc9fs»>Li Saumet de Bomba Estéreo también he colaborado, era mi amiga, pasamos una semana en Nueva York, gente con la que me puedo cagar de la risa. No me gustan las colaboraciones, que he hecho también, ni te conozco y te mando la pista y listo, siento que no funcionan tan bien, ojalá juntarse a hacer el tema juntos.</span></p>
«font-weight: 400;»>Hace poco estaba hablando con una chica que me encanta, <a href=»https://open.spotify.com/artist/1FnGKreDca8xq3juSi5hAE?si=vsHPtUH9R9eidHss1O9RGg»>Julia Mestre, brasilera, dijimos colaboremos y es que me quiero ir a Río de Janerio a que estemos una semana conversando para que salga algo real y genuino, no una cosa tan de máquina. Me encanta su música, hace mucho que no me gustaba algo tanto, entonces insistir para que aparezca en el algoritmo y que ella también lo vea y quiera hacer la colaboración conmigo.</span></p>
Geografía, vibras transatlánticas y el poder de crear.
P: Has sido una pionera en trazar puentes entre las escenas independientes de América Latina y España. Si tuvieras que definir la vibra entre un concierto tuyo en Santiago de Chile y otro en Madrid usando una sola palabra para cada uno, ¿cuáles serían?</b></b>
R: <span style=»font-weight: 400;»>Santiago: Catarsis. Madrid: Baile.
La metamorfosis en vivo de Javiera Mena desborda todo Madrid
P:</b> Mirando hacia el futuro y con este hito de los 20 años sobre la mesa: ¿qué es lo que más te divierte hoy al crear música comparado con tus inicios y qué misterio de la composición sigues intentando descifrar en el estudio?</b></b>
<b>R: <span style=»font-weight: 400;»> Hacer música es un superpoder, me siento demasiado bendecida por el universo de poder hacer música, es hermoso y me motiva mucho y me despierto día a día por y para hacer música. Es muy hermoso el arte de armar un sonido, de generar un concepto, de hacer una canción, y después que esa canción genere estados de ánimo en las personas, en ti mismo. La motivación principal es que es un superpoder.
P:. Si alguien ahora mismo no supiese quién es Javiera Mena, ¿qué canción/álbum le recomendarías escuchar?
R: Yo la verdad estoy súper contenta con mi último disco, a pesar de que amo todos, pero le recomendaría un tema de cada disco. De <i>Inmersión (2025) le recomendaría Mar de Coral, de Nocturna (2022) Corazón Astral, de Espejo (2018) le recomendaría Alma, de Otra Era (2014) Sincronía, Pegaso, y después del Mena (2010) le recomendaría Acá entera, de Esquemas Juveniles (2006) Cámara Lenta, y de Primeras Composiciones (2013) le recomendaría Me inhibe.</span></span>
