A lo largo de toda su carrera, la artista multidisciplinar Concha Jerez ha puesto el punto de mira en la sociedad y su desarrollo. Su ojo crítico ha viajado con ella alrededor del mundo y ha dejado, a su paso, una trayectoria de obras que manifiestan su perspectiva inconformista. Así lo podemos ver, hasta el 2 de noviembre, en la Galería Freijo, donde se exponen algunas de sus obras de manera abierta para todo el que se acerque.
‘Freijo Gallery’
Ubicada en el castizo barrio de Chamberí, la Galería Freijo se localiza en la calle Zurbano, una de las elegantes vías que cruzan el barrio y que fue nombrada por el New York Times, en 2015, como una de las 12 mejores calles de Europa para vivir.
La galería, que consta de varios espacios, se comenzó a utilizar en 2010 y nació como un proyecto destinado a exponer y divulgar el trabajo de artistas españoles y latinoamericanos de diferentes generaciones cuyo punto común fuese “la experimentación, el rigor formal y estético, y las propuestas conceptuales relevantes y críticas”.
El polivalente espacio también cuenta con una línea editorial que se nutre del estudio y del trato con los diferentes artistas y deja a nuestra disposición una biblioteca para una documentación e investigación libre.
Concha Jerez, precursora
Pionera del arte conceptual en España, la canaria Concha Jerez es una artista interdisciplinar que, durante su carrera, se ha ido abriendo camino desde el papel impreso hasta las nuevas tecnologías en el arte. Su variado trabajo pasa por ámbitos como el arte en vídeo, interactivo, sonoro, en forma de fotografías, instalaciones… hasta llegar, incluso, a algunas obras de arte radiofónico para emisoras europeas.
Durante sus 80 años, la artista ha llevado una vida nómada alrededor del mundo (desde África a América, pasando por Europa), lo que deja ver variados matices culturales en su obra. Sus estudios también han sido diversos: acabó la carrera de piano en el Real Conservatorio Superior de Madrid en su adolescencia, mientras iba y venía del Sahara. Después recibió una beca para estudiar en Washington y, más tarde, cursó Ciencias Políticas en la Universidad Complutense de Madrid. Todo ello la llevó, a sus 30 años, a adentrarse en el mundo del arte con una perspectiva crítica de la sociedad, un continuo afán por la experimentación y la evolución de la cultura y un llamamiento a la valoración del trabajo de mujeres artistas.
Esta larga trayectoria le ha brindado, también, algunos premios como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2010, el Premio Nacional de Artes Plásticas en 2015, el Premio Velázquez de las Artes Plásticas en 2017 y la Medalla de Oro de las Bellas Artes de Canarias en 2018.
Mediciones de tiempos y otras obras
Mediciones de tiempos es una exposición que incide en el histórico deseo social de entender, controlar y medir el tiempo. Una reflexión que ha cambiado de versión a lo largo de las civilizaciones y que supone una eterna lucha por dominar lo indómito. Asimismo, se exponen piezas que suponen un recorrido a lo largo de la historia, la vida y la obra de la artista.
La colección cuenta con algunas obras site-specific, diseñadas exclusivamente para un espacio concreto, muy comunes en el trabajo de Concha. Para ella, la arquitectura y los escenarios son puntos esenciales a tener en cuenta en sus obras, y sus exposiciones están muy ligadas al espacio en el que se encuentran.
Por ello, antes de empezar el montaje, lo primero que hizo fue intervenir todas las columnas de la galería. En ellas plasmó sus famosos escritos ilegibles autocensurados, elemento que aparecerá de manera frecuente y característica en su obra. Estos grafismos aluden a la censura en varios niveles: privado, personal y colectivo —político, social y laboral— y la artista, aseguró, que son el origen de toda su obra. En ellas también aparece la palabra entre, el término idóneo para describir un trabajo y una vida llena de metamorfosis y balanceos entre diferentes ámbitos.
Una vez marcado el eje de la exposición, las obras se dividen en varios espacios diferentes en la galería según temáticas concretas. En primera estancia, la artista presenta tres piezas que abordan uno de los temas clave en su historia: la manipulación de la información y los medios de comunicación.
La primera obra que destacamos, titulada 1 pág. del New York Times = 100 págs. de estéticas (1982), con formato de libro de artista en sus inicios, evolucionó en una instalación de pared en la que Concha juega con una portada del New York Times para llegar a la recuperación estética. La descompuso en módulos y sustituyó el texto original por franjas rectas del mismo tamaño que combinó en tríos de bloques, creando, así, 100 páginas únicas. Esta pieza proviene de otra exposición reciente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Ingredientes del menú del día (2021), a la que la artista llama la antología de los horrores, es otra de las instalaciones. Su elemento protagonista es un televisor en el que se repiten, por aproximadamente 20 minutos, fragmentos de «telebasura» con los que la artista refleja esas realidades que solemos devorar sin filtro alguno. La versión de 2021 no es la única que existe de esta obra, pero la artista cuenta que disponía de tal cantidad de material que era casi necesario crearla.
Por su parte, Interferencia en un medio. El país (1998) incide en lo efímera y frágil que es la información de los periódicos que han sido extintos por el fuego. Además enrolla las fotocopias de papel de acetato de lo que ya son cenizas para convertirlas también en ilegibles. Esta técnica recibe el nombre de estrategia de interferencia, y Concha la utiliza, comúnmente, para reconceptualizar objetos y conseguir un punto de vista más crítico en el espectador.
En la siguiente estancia de la galería se despliega una nueva instalación de pared, recuperada también del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y que dio título a la exposición, Que nos roban la memoria (2002). Está compuesta por fotografías de eventos paradigmáticos del siglo XX, tales como la Revolución Rusa o movimientos feministas, acompañadas de marcos en blanco llenos de sus escritos ilegibles autocensurados, aludiendo a todos esos otros eventos que han caído en el olvido y han quedado apartados de la historia colectiva. El montaje de esta pieza resultó complicado, pues Concha pidió que ninguno de los marcos coincidiera en la pared, de nuevo resaltando la importancia del espacio y la arquitectura del lugar.
Las dos últimas piezas que se exponen en la primera planta van cargados de memoria de su vida pasada. En ellas observamos otro gran ingrediente del arte de Concha: la incorporación de objetos encontrados a sus obras.
Recorrido mental a través de Hannover (1994) reflexiona sobre el trayecto de la artista por esta ciudad. La obra se compone de varios elementos interconectados: el plano, como base de todos los demás elementos; el zapato de tacón, que menciona la artista era muy común encontrar; y un atril que hace alusión a su faceta de artista sonora y su carrera como pianista. Todo se esconde bajo un largo rollo de escritos ilegibles autocensurados.
Unidades de interferencia (1994) es otra obra en la que la clave son los valores que transmiten los objetos colocados. Se compone de seis sillas plegables pintadas de dorado y con espejos debajo que reflejan mensajes y figuras de superhéroes. La artista incita al espectador a actuar como «unidades de interferencia» y reflexionar sobre la dualidad que se crea entre elementos que transmiten valores retrógrados y la capacidad innata de todo ser humano para interferir en sus ideas y permitir que la sociedad pueda evolucionar inteligentemente.
Las escaleras que nos llevan a la segunda planta de la galería también están intervenidas, no podía ser menos tratándose de Concha Jerez. La obra se titula Caminando entre letras (2021).
A medida que subimos por las escaleras, vamos descubriendo una de sus obras más autobiográficas, una clara referencia a su carácter nómada. Es una pieza audiovisual, proyectada en la pared, en la que aparecen los pies de Concha caminando sobre la arena de la playa. Forma parte del Festival de videoarte Proyector de este año.
Nada más llegar a la planta superior, vemos Medida (1986), una obra con una referencia mucho más clara al título de la exposición. Se compone de seis celemines, recipientes de madera que funcionaban como unidad de medida agraria en algunos pueblos de España, antes de que se impusiera el sistema decimal. En el interior de ellos están colocadas unas tiras de poliéster translúcido con escritos ilegibles de la altura de la autora. En la parte exterior, una letra dorada que construye la palabra medida y un cristal que tapa cada módulo y en el que se superponen las letras de la misma palabra. Esta pieza representa, en sí misma, las partes individuales de un tiempo y de unos espacios en los que ha surgido, de un proceso mental en que se han generado y de una estética en general.
La siguiente obra, más actual, se titula Sopa de estrellas (2021) y su protagonistas es otro objeto encontrado, esta vez en un entorno familiar: una sopera kitsch intervenida con grafismos ilegibles. De ella sobresale la bandera de la Comunidad Europea impregnada, también, de escritos ilegibles autocensurados. Esta obra representa un diálogo mental entre la realidad, mostrada por la sopera, y un símbolo patriótico, la bandera. Los toques de su clara mirada socio-política son otra parte muy importante en las obras.
Finalmente, la última obra seleccionada es Residuos de Utopías Rotas (1999) que viaja, en cierto modo, desde Austria, hasta aquí. Y es que su componente principal es una fotografía que realizó la artista de una de sus propias exposiciones en este país: Broken Utopias. La artista cuenta cómo un mercadillo llegó, mientras su instalación estaba montada, y comenzó a colocar sus objetos alrededor de manera aleatoria. En ese momento es cuando tomó la fotografía. Además, este concepto de utopía también es clave en su trabajo. Con él quiere transmitir cómo la sociedad de hoy en día ha perdido la noción de la propia palabra y tiende, cada vez más, al desencanto y la desilusión.
La composición también cuenta con otros objetos que la artista ha ido recopilando, tales como una antigua caja de música encontrada o unos marcos con fotografías que compró en El Rastro de Madrid. Todo ello evocando a la memoria y al pasado.
Como vemos, la Galería Freijo nos da el privilegio de conocer a Concha Jerez desde la mejor perspectiva: su arte. Poder entender la vida de una mujer que se lanzó, a sus 30 años, a hacer arte y que decidió llenar su vida de pensamiento, estética y obras que nos invitan a observar la fugaz realidad desde una posición diferente.
