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‘Superman’: el héroe de Krypton se pierde en un guion desastroso

La película inaugural de DC Studios naufraga por culpa de una historia delirante que arruina el esperado arranque de esta nueva franquicia

La operación ya la conocemos: se trata de conectar, a través de películas y series de televisión, a todos los superhéroes de la editorial DC Comics en un universo compartido para dar origen a una nueva saga cinematográfica que Warner Bros. pueda explotar hasta la saciedad. Es lo que Disney lleva haciendo casi dos décadas con los personajes de Marvel y lo que la misma Warner intentó hacer sin éxito con la franquicia iniciada por la lúgubre El hombre de acero en 2013. Estamos, por tanto, ante una segunda oportunidad, otro intento de rentabilizar el género superheroico de la mano esta vez de James Gunn, cineasta curtido en la trilogía de los Guardianes de la galaxia que asumió con tal fin la presidencia de DC Studios en noviembre de 2022 junto al productor Peter Safran.

Situados ya en el contexto que rodea a esta nueva Superman (2025), podemos intuir que, siendo esta la película inaugural de una gran historia llamada a fundar el Nuevo Universo DC, cada detalle habrá sido cuidado al milímetro para ir construyendo poco a poco una narrativa que seduzca a millones de espectadores hasta el punto de hacerles ansiar cada nuevo estreno de la marca. Pues nada más lejos de la realidad: la película de James Gunn es un despropósito atropellado e incoherente, un maremágnum de situaciones y personajes tan variopintos que resulta ingobernable y confuso. El director y guionista tenía la misión de contarnos el primer capítulo de una nueva historia, pero ha dado por sentadas tantas cosas que el espectador no sabe a qué atenerse en medio de un sinfín de personajes (Mr. Terrific, Hawkgirl, Linterna Verde, Metamorfo…), lugares (Boravia, Jarhanpur…) y conceptos ficticios («dimensión de bolsillo», «metahumanos»…) introducidos sin presentación alguna.

Lois Lane y Superman en un fotograma de la película | Fuente: Warner Bros. Pictures España

Un reparto desaprovechado

Afortunadamente, el reparto no participa en el desastre más allá de ser víctima del mismo. David Corenswet, el actor elegido para recoger el testigo de Henry Cavill, Brandon Routh y Christopher Reeve, no solo da la talla física que requiere el superhéroe, sino que se erige en un Superman honesto, carismático y muy prometedor, un kryptoniano más humano que nunca en un mundo que parece haber perdido todo atisbo de humanidad. Le sigue el juego la rebelde Lois Lane, eterna periodista del Daily Planet interpretada aquí por una Rachel Brosnahan en estado de gracia e innegable química con el superhéroe (no esperábamos menos de la flamante protagonista de La maravillosa Sra. Maisel), mientras que el antagonismo corre a cargo de un Lex Luthor más sádico que nunca al que da vida con estilo y matices el británico Nicholas Hoult.

Sin duda, los mimbres para una gran aventura están ahí, pero esta nunca llega debido a un guion desastroso más pendiente del futuro de la saga (hay por ahí algunos cameos de personajes que ya sabemos que protagonizarán sus propias películas) que de sí mismo. La decepción es, pues, notable, y más indignante que frustrante: tenían ingredientes de una calidad excelsa, pero el guiso no ha podido salirles más insípido, como si el cocinero careciera de toda inspiración más allá de algún que otro chiste acertado.

Superman, herido sobre la nieve, en un fotograma de la película | Fuente: Warner Bros. Pictures España

¿Tendrá arreglo?

¿Y qué decir del resto? Las secuencias de acción son rutinarias y con escasa capacidad para la sorpresa, la música altera y pervierte sistemáticamente la icónica banda sonora de John Williams y solo la dirección de fotografía, que busca recuperar la luminosa estética pop de los cómics más clásicos, resulta destacable. Por lo demás, no se engañen: si quieren disfrutar de Superman, vuelvan a la primera película de Richard Donner y a algunas de sus secuelas (¿para cuándo una reivindicación de la infravalorada cuarta entrega?). Este último prometía, pero James Gunn, por ahora, no ha sabido aprovecharlo.

Heladería y helados más antiguos de Madrid

Descubre los helados artesanos con más historia de Madrid

El helado apetece en cualquier época del año, pero con la llegada del verano aún más. Aunque hay mil heladerías por Madrid dos de las más antiguas son Los Alpes y Sienna.

La primera heladería que se fundó en la capital fue Los Alpes en 1950 en la calle Arcipreste de Hita, 6. Su fundador, el italiano Pedro Marchi, llegó a España con una receta de sorbete de mantecado. En su apertura el local tenía una máquina mantecadora (para hacer el helado) y un mostrador con solo ocho sabores. Actualmente, se puede elegir entre cuarenta sabores, todos artesanales y elaborados en su propio obrador.

La calidad es exclusiva, por ejemplo, el chocolate es Valrhona, el mismo que se utiliza para alta pastelería. Sus sorbetes de fruta son muy solicitados y entre los sabores clásicos destaca el mantecado. Es una vainilla hecha a base de yema de huevos.

Otra de las heladerías más antiguas de Madrid se llama Sienna, situada en la calle Narváez, 62. La familia Ripella desarrolló la pasión por elaborar y vender uno de los mejores helados del barrio de Retiro. Sus vitrinas cuentan con decenas de variedades de sabores de helados. Entre ellos destaca el de yogur con amarenas, el sambayón (una receta italoargentina con yemas, azúcar y vino Marsala), el de stracciatella, el pistacho o el de nata con nueces.

La heladería Sienna elabora diariamente sus helados con leche y nata fresca de la sierra de Madrid, aunque gran parte de la materia prima proviene de Italia. Desde hace dos generaciones mantienen la pasión por su trabajo para ofrecer los mejores helados de la capital.

 

Helados | Fuente: Pexels
Helados | Fuente: Pexels

Como curiosidad el Día Internacional del Helado se celebra en España el 12 de abril, festividad que homenajea a uno de los postres más consumidos en nuestro país. Entre los sabores clásicos de helados que nunca decepcionan, y más si son artesanales, se encuentran el de vainilla, chocolate o cookies. Sin embargo, algunos sabores novedosos como el de chocolate de Dubái y el helado de matcha (de té verde) están triunfando este verano.

Naddia lanza nuevo tema, ‘Amor de Verano’

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Una explosiva fusión de merengue y electropop para conquistar el verano

La cantante y actriz valenciana Nadia Vilaplana (AKA Naddia) presenta su nuevo single, Amor de Verano. Se trata de una propuesta musical vibrante y contagiosa que combina los ritmos tropicales del merengue con la energía del electropop. Con solo 19 años, Naddia consolida su lugar en la escena musical española con un estilo fresco, colorido y sin etiquetas.

‘Amor de Verano’ de Naddia| Cortesía de Julia Fernández

La canción está producida por Jesús Fuenmayor (FUENMA), conocido por su trabajo en el disco PNEUMA de Akapellah y por colaborar con artistas como Trueno y Myke Towers. Amor de Verano marca el inicio de una nueva etapa sonora para Naddia. El tema ha sido creado junto a un equipo de compositores de primer nivel: Diego Bae, Francois Gauna, Nuria Azzouzi, Juan Ewan y Juan Battista. Todo apunta a que será un himno veraniego irresistible.

Con una melodía luminosa y un estribillo pegadizo, la canción captura la esencia de los romances fugaces: intensos, breves y dulces como un helado al sol. Amor de Verano no es solo un single, sino una declaración de intenciones. Convierte cualquier momento en una fiesta llena de ritmo y actitud.

Tras lanzar cinco singles anteriores y participar en producciones como La vida breve (Movistar+) y la próxima serie Dos tumbas (Netflix), Nadia Vilaplana continúa demostrando su versatilidad como artista integral. Con este nuevo trabajo, reafirma su apuesta por una música auténtica, atrevida y hecha para disfrutar.

La Usina acoge ‘Tú y yo’ y ‘Insomnio’ dos piezas de microteatro

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Una historia de amor que atraviesa el tiempo, premiada y aplaudida por el público

El próximo 17 de julio a las ocho de la tarde, el escenario de La Usina acogerá una velada especial con la presentación de dos propuestas de microteatro: Tú y yo e Insomnio. Dos miradas íntimas sobre las emociones humanas que invitan al espectador a detenerse, observar y sentir. Por otro lado, al finalizar las funciones, el público podrá participar en un coloquio con el equipo.

Sobre Tú y yo

Tú y yo, escrita y dirigida por Paola Pozzo, ha cosechado una destacada trayectoria por festivales de todo el país. Ganadora del Premio del Público a Mejor Espectáculo en el 1º Festival de Microteatro Salalapaca (Jaén, 2022) y del premio a Mejor Interpretación en el III Festival de Microteatro El Enguerino (Valencia, 2023).

Con una duración de 14 minutos, Tú y yo ha sido seleccionada en importantes encuentros teatrales como el 49º FITC Lazarillo – MicroFITC 2023, el Festival de Microteatro en La Cárcel de Segovia y otros festivales nacionales, consolidándose como una propuesta sensible y universal.

Paola Pozzo e Inma Garzía en 'Tú y yo' | Fuente: Anna Senan
Paola Pozzo e Inma Garzía en ‘Tú y yo’ | Fuente: Anna Senan

Una vida compartida en un instante

La obra nos sitúa en un día cualquiera en la vida de Claudia y Silvia, dos mujeres que han pasado toda una vida juntas. Un cruce de miradas desencadena una cascada de recuerdos: la juventud, los momentos cotidianos, los desafíos compartidos, los sueños y la vejez.

¿Puede el amor durar toda una vida? Esa es la pregunta que late en cada gesto, en cada silencio.

Un escenario vacío, un mundo imaginado

La puesta en escena es sencilla, casi mínima. Un espacio vacío donde la pantomima y el trabajo físico de las actrices —Inma Garzia y Paola Pozzo— permiten al espectador imaginar todos los lugares por los que ha transitado esta historia de amor.

No hay escenografía, pero sí una profunda capacidad evocadora. El diseño de luces combina tonos azules y amarillos. Estos dos colores acompañan los dos planos temporales en los que se desarrolla la acción: el presente y un emotivo flashback que reconstruye los momentos más importantes de la vida de estas dos mujeres.

Cartel de ‘Insomnio’ y ‘Tú y yo’

Un amor sin etiquetas, una emoción sin fronteras

Tú y yo es una celebración de los afectos duraderos, de esos amores que crecen en lo cotidiano y se sostienen con el paso del tiempo. Con delicadeza y sensibilidad, la obra pone en el centro una historia de amor entre dos mujeres que han compartido toda una vida y envejecen juntas.

Una historia que durante mucho tiempo habría permanecido en silencio. La pieza nos habla del amor en su forma más esencial: el que atraviesa los años, los cuerpos y las palabras. Tú y yo nos recuerda que lo que perdura no es el género, sino el vínculo humano profundo. Una historia íntima en la que cualquier persona puede reconocerse.

Sobre Insomnio

Insomnio nos presenta a Pablo, un hombre para quien dormir se ha convertido en una quimera. Mientras unos sueñan con conquistar el mundo y otros simplemente con llegar a fin de mes, él solo desea cerrar los ojos y encontrar descanso. ¿Y tú? ¿Con qué sueñas cuando la noche cae?

Escrita por Eneko Arcas y dirigida por Mimi Muelas, esta pieza íntima e inquietante se adentra en los rincones más oscuros del insomnio y sus consecuencias emocionales. El propio Eneko Arcas comparte escenario con Mimi Muelas, dando vida a esta pieza.

Los primeros detalles del nuevo disco de Pablo Alborán

El artista ha dejado varias pistas de lo que será su próximo gran proyecto

Tras su pausa, Pablo Alborán prepara su esperado regreso discográfico y poco a poco va desvelando detalles sobre su siguiente gran álbum, que verá la luz a finales de año.

Clickbait y KM0, los dos primeros adelantos

El pasado 26 de marzo publicó Clickbait, toda una crítica a la desinformación, los prejuicios y la obsesión por la validación en redes sociales. Este fue el primer sencillo después de toda la pausa, de la mano del productor Albert Hype. Canción que iba acompañada con un videoclip dinámico y renovado bajo la dirección de La Carbonera Studio.

La letra aborda este sentimiento de rechazo a la hipocresía mediática: «Mucho dicen que me conocen pero no tienen ni idea de quién soy / Flash, flash, mucho clickbait, mucho fake / Demasiada la paciencia que les doy (…) Les provoca adrenalina, más de lo que pensáis / Pura anfetamina para un ego sin likes / Fama, fama, fama, fama / ¿Dime qué coño te para? / Me quedo con la gente que me mira a la cara».

Dos meses después, el 30 de mayo lanzó Kilómetro Cero, una balada que trata sobre un nuevo comienzo, volver a empezar y le da nombre al disco. En ella, el artista se sincera.

Además, ha publicado la versión piano y voz de esta balada, llenándola de sentimiento. El videoclip de la versión está íntegramente grabado en vertical e incluye un pequeño fragmento de el artista cuando era niño.

Parte de la letra de KM0: «Llevo tanto tiempo calculando este momento / mis heridas se han curado mal con tanto movimiento / Mi casa vacía y el corazón lleno de historias que casi me arrancan el pecho / kilómetro 0, primera casilla, cara a cara conmigo sentado en la silla (…) No nos ha ido mal / Porque no esperaba tanto / Jugué con los ojos cerrados / con Dios y con el diablo / preguntándole al espejo quién era Pablo».

La caja de preguntas de Instagram

El pasado 20 de abril, Pablo Alborán realizó en sus historias de Instagram una ronda de preguntas. En ella, surgió la tan esperada pregunta: «Cuéntanos más sobre el disco».

El artista contaba aquel día que «el disco tiene entre 12 y 15 canciones». Entre estas se incluyen «siete baladas y seis rápidas o medio tiempos», que no estaba claro del todo pero que estaba «terminando de perfilar el repertorio».

También definía al álbum como el «más completo» que ha compuesto, donde no dejó nada por decir. «Habla de amor, de segundas oportunidades y por supuesto de temas autobiográficos».

Lo comparaba con sus dos grandes trabajos Prometo y Terral. Definía Clickbait como «una de las dos locuras» que incluye el disco, «la otra también empieza por C». En cuanto al resto, decía que tiene «estilos más definidos». En resumen, que es un álbum que tiene «mucha raíz y mucho sentimiento».

Una profunda reflexión matutina

Hace unos días, Pablo Alborán despertaba en su Instagram con una larga reflexión y varias fotos en Estudio Uno, el estudio madrileño donde está grabando parte del nuevo álbum.

En esta reflexión, podemos ver cómo el artista decía: «A veces me detengo en medio de una melodía y respiro hondo, como si mi alma necesitara recordarme lo afortunado que soy. No siempre lo digo en voz alta, pero siento una gratitud inmensa, profunda, que me atraviesa el pecho cada vez que mis manos tocan un instrumento o mi voz encuentra una nota».

El malagueño también hablaba sobre cómo la música le enseña a «escuchar más allá del sonido, a sentir sin necesidad de palabras». Además, nombra cómo ha sido una forma de «refugio en días oscuros y alas en momentos de alegría».

Se siente afortunado por poder dedicarse a la música, no solo le ha «dado una carrera o un oficio: me ayuda a darle sentido a todo. Y no lo tomo a la ligera». Considera que ha encontrado esa forma de expresarse que le hace sentir tan vivo. «Y cada día me esfuerzo por honrarla, por ser digno de ella, por compartirla con quien quiera escuchar». Pone el foco en el público y en lo importante que es para él sentirlos «cerca en cada proceso, gracias por no soltarme nunca».

También describió el álbum como el «más profundo» de su carrera. Dice que «es un homenaje a esa red invisible que sostiene lo frágil, el abrazo que calma, el gesto que hace más humano el mundo».

Según sus palabras, «he llorado, reído, bailado… me he quedado horas y horas encerrado en mi estudio con el piano sin parar de practicar, de buscar… y he viajado a Saturno desde la silla para buscar consejo».

También expresó su temor ante el ritmo acelerado de la actualidad: «También tengo miedo de que cuando salga, todo se esfume rápido en este mundo tan voraz en el que vivimos». «Ojalá sean canciones que se queden en nuestros diarios y nos refuercen aún más la idea de que la música es un lugar seguro. Además es un disco que me recuerda constantemente de dónde vengo».

¿Qué más se sabe del álbum?

Mis 36 es una de las baladas destacadas del disco. «Sigo produciendo 36, la última balada del disco», contaba que el disco viene «cargadito». Para esta canción ha contado con su equipo habitual. Las guitarras de José Marín y Lolo Álvarez, el bajo de Antonio De Haro y la batería de Manuel Reina. «Anoche mientras dormía / Sentí una culpa que no era mía / Yo siempre te he sido muy claro / Cuando quería volar más alto / No quiero hablar más de tus pactos / O me quieres como yo lo hago».

Otra de las confirmadas es Si Quisieras, canción que ha cantado Pablo Alborán únicamente arriba de los escenarios de su anterior gira. El propio Alborán dejó entrever en sus historias de Instagram que también formará parte del nuevo disco. «Tengo el brillo de mis ojos diferente, lo nota mi madre / Lo dice la gente / Y ya no puedo re-te-ner-me», así empieza este sencillo que recorre las redes sociales con los vídeos en directo.

Pablo Alborán ha pasado una etapa bastante delicada que le hizo alejarse de los escenarios por un tiempo. Un familiar cercano ha estado luchando contra el cáncer y el cantante ha mostrado su compromiso con la donación de médula. Ha querido reconocer públicamente a la Planta 7 del Hospital La Fe de Valencia por su atención y apoyo, con una canción homónima. Una colaboración, una bulería con el gran guitarrista e icono del flamenco Vicente Amigo.

Además, ha ido compartiendo en redes pequeños versos sueltos, aún sin título confirmado, todavía huérfanos. Una frase reciente que colocaba en sus historias: «Voy a apagar la luz cuando el mundo te duela de más / Voy a hacer que merezca la pena / Qué bonita la vida que nos espera».

Así como el mismo artista ha comentado que el álbum «tiene contrastes de momentos de pura celebración y momentos de tristeza». En cuanto a los géneros que incluirá, desvela que «hay bulería de casi diez minutos, hay más acústicas, hay salsa… Hay experimentación y cosas muy puras».

Tras esta etapa alejado de los focos, el malagueño regresa con más fuerza que nunca, con una actitud que le invita a disfrutar. Además, el artista confirmó una gira internacional en 2026 y 2027, aunque por ahora las entradas todavía no han salido a la venta. Sin duda, Pablo Alborán se prepara para meses y años intensos, mientras su legión de ángeles, sus seguidores permanece atenta a cada movimiento del artista.

Kneecap, mesías de la juventud

Kneecap se alza como símbolo de resistencia al status quo, y retoma el desorientado espíritu punk

La violencia del conflicto palestino sitúa bajo escrutinio todo aquello dado por conocido. Obliga a mirar las contradicciones de un sistema que señala como ‘malos’ a personajes como Kneecap, mientras el trío irlandés suma cada día más apoyos. Al final, se cumple la vieja profecía: los chicos malos siempre son los verdaderos ‘guays’. 

El rebranding del status quo

A finales de los 70, fue Don Fancisco Umbral quien hablaba por primera en España de la “derecha punk”. En su tribuna en El País escribía sobre Fraga, usando giros de palabras para calificarlo de franquista: «Lo vuestro era don Paco, ramoncines». Lo que Umbral no comprendió fue lo atractivo de la palabra punk, encarnación de todo lo que supone ser un joven recién llegado mundo adulto. No pudo predecir su futuro como gran arma política.

Reuters, entre otros, ha discernido en sus encuestas un ascenso de la extrema derecha entre la Generación Z, que destaca por la división entre géneros. Parece ser más importante que nunca entender los discursos dominantes y las intenciones que los motivan pues, en nuestra juventud, las emociones a flor de piel, una adolescencia no tan lejana y una adultez incierta, parece resultar difícil resistirse al relato de la Libertad. Sea la que sea, y a pesar de lo que sea.

Cultura y moda punk | Fuente: Maluqueer

Es larga la historia del rebranding del conservadurismo, que ha cuidado siempre la estética inconformista y antisistema cuando trata de atraer el público joven. Thatcher apeló y atrajo la juventud insatisfecha y perdida de Gran Bretaña en los años 80 mediante una fachada anárquica y rebelde. «Las personas deben ser libres de vivir como deseen… sin estar atadas por la mano muerta de la burocracia», decía en 1980.

Prometía la mítica Libertad, aquella cuyo mayor discípulo es el recién llegado a la vida adulta. Redefinió las vacías ocho letras hasta vestirlas a su medida: «La libertad no es sinónimo de una vida fácil. […] Significa la libertad de elegir tu trabajo, tu hogar, la escuela de tus hijos» (1987). Al comentar esto con familiares, uno aseguraba que esta tendencia debía de ser agua pasada, una táctica agotada.

Hacer música y hacer política

Kneecap es un trío de hiphop concebido en Belfast, capital de Irlanda del Norte. Mo Chara, Móglaí Bap y DJ Próvaí penetraron en la escena musical de esta ciudad a través de pequeños garitos, con letras impactantes por su rebeldía, frescura y un uso distintivo del idioma irlandés. En 2024 estrenaron su película Kneecap, que ganó el premio del público en el Festival de Sundance, y fue seleccionada como candidata irlandesa al Oscar a la mejor película internacional.

Kneecap sobre el escenario | Fuente: Ralph PH

Kneecap ofrece conciertos que se desdoblan, de acuerdo con sus principios, como espacios inherentemente políticos. Sobre el escenario, participan en la actualidad, como siempre fue propio de la música. Desde “la marsellesa” a “Bella Ciao”, el rol de la canción en el acontecer sociopolítico es indiscutible. Del mismo modo, existe en el seno de la resistencia palestina contra el sionismo.

“La historia de las canciones que abordan la lucha palestina corre, en muchos aspectos, paralela a la historia de la propia lucha palestina. Mientras que las canciones en apoyo a la liberación palestina a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta expresaban la confianza de la revolución nasserista, las canciones posteriores a 1967 expresaban, por un lado, la desesperación por la derrota y, por otro, la esperanza en el movimiento guerrillero palestino que entonces emergía”

Joseph Massad (2021)

Público de Kneecap, con la bandera palestina | Fuente: Paul Hudson (Creative Commons)

Marketing y política

En Coachella, el prestigioso festival estadounidense, Kneecap proyectaba sobre el escenario diversos mensajes: «Israel está cometiendo un genocidio contra el pueblo palestino”, “Esto es posibilitado por el gobierno de Estados Unidos, que arma y financia a Israel a pesar de sus crímenes de guerra» y «Que se joda Israel; Palestina libre». Horas después, breves vídeos incendiarios del trío plagaban redes sociales.

El grupo protagonizaba titulares, futuros conciertos se suprimían y, en unos días, se llamaría a Liam Óg Ó Hannaidh a comparecer ante un tribunal de Londres acusado de terrorismo por exhibir durante un concierto una bandera en apoyo del grupo paramilitar chií libanés Hizbulá, seis meses antes. El pistoletazo lo daba Creative Community for Peace, organismo estadounidense que es contraparte del influyente lobby israelí Stand with us.

Sergio Fanjul, periodista y escritor asturiano, compartía días atrás en redes sociales una reflexión que se hizo hueco en mi cabeza: «Me hacen gracia los que dicen que lo punk es la derecha porque la izquierda se ha vuelto woke». Aunque no sea la primera vez que se trate este tema, la publicación de Fanjul se unía en el muro de Instagram a fotos de Liam Óg Ó hAnnaidh (Mo Chara), acusado de terrorismo por el Metropolitan Police de Londres. Y con la unión y convicción que une a estos artistas, como otros, con sus fans.

Mientras, la manosfera se muestra como la alternativa a lo woke, Feijoó se ha desabrochado el botón de la camisa, y Mark Zuckerberg ha contratado a un estilista. Israel es un paraíso LGTBIQ+, y defender la existencia del pueblo palestino es antisemita, suman voces desde Donald Trump a Keir Starmer. Pero centenares recibían a Mo Chara al grito de «Free Mo Chara» y «Free Palestine», a las puertas de la corte en Londres el pasado 18 de junio. Y desvestían al status quo, y sus mil imágenes, de toda credibilidad.

Mo Chara, de Kneecap | Fuente: @kneecap32

¿Quién es el verdadero guay?

La policía del Reino Unido anunciaba el lunes pasado que las actuaciones del Festival de Glastonbury del dúo de rap Bob Vylan y Kneecap están sujetas a una investigación criminal después de que liderasen a las multitudes en cánticos de «Palestina Libre» y «Muerte al IDF», las Fuerzas de Defensa de Israel. Se suma esto al caso ya abierto contra Mo Chara, del trío irlandés.

El rebranding del propio lenguaje desdibuja las información de titulares, las noticias y la actualidad. Antisemitismo, el colectivo LGTBIQ+, expresiones como «caza de brujas» y la etiqueta punk se han deformado, moldeado y desorientado en la disputa por ser el más guay y popular. Mientras tanto, seguimos atestiguando a un genocidio en tiempo real.

A esa pugna se ha reducido hoy la lucha por el voto joven. Y, en respuesta a mi familiar, tal vez sí sea ya una táctica agotada. Kneecap, lejos de repetir las dinámicas del aula o del instituto, llama la atención sobre el descontento real y la desesperación de quienes reconocen la humanidad del pueblo palestino. Se reclama autenticidad frente a simple estrategia de imagen.

Cerré la app después de ver los apoyos a Kneecap, en contraste con las palabras de Fanjul. De pronto, se volvió más claro qué importa de verdad. Se avivó en mí, como en tantos otros jóvenes, una llama: un enfado lúcido. Y entendí que ser punk no es una estética a la venta. No han conseguido llevárselo. Es una forma de ver el mundo, y hoy la reconozco no solo en el público de Kneecap, sino en cada vez más miradas. Que no te mientan, nos pertenece. Es hora de reclamar.

Ópera prima de Agathe Riedinger, ‘Diamante en bruto’

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Estreno el próximo 18 de julio, de la mano de Caramel Films, la ópera prima escrita y dirigida por Agathe Riedinger

Con Malou Khebizi, actriz que debuta como protagonista, y Agathe Riedinger como guionista y directora, nos encontramos ante dos mujeres que sin duda vienen para quedarse en la industria del cine.

¿Qué hay en el mundo de Liane?

Hay una creciente ola cinematográfica de historias mundanamente complicadas. Esta película podría encajarse ahí. Si coges la obsesión y la incomodidad en el cuerpo de The substance (2024), y los colores y la juventud frenética de Anora (2024), da como resultado esta película.

En la creación de personajes se podría ver Las chicas de la estación (2024). Aquí, en Diamante en bruto, hay una hermana pequeña, que representa toda la realidad de Liane. A ella le ha tocado ser la madre en una familia de tres, donde su madre no se responsabiliza del rol que tiene. Y después, el grupo de amigas. ¿Cómo destensar una película oscuramente iluminada de fracasos, promesas y búsqueda de identidad? Con ellas.

Con Malou Khebizi actriz que debuta como protagonista y Agathe Riedinger como guionista y directora
‘Diamante en bruto’ | Fuente: Caramel Films

Ambas situaciones, la de la hermana pequeña y la de las amigas, te atrapan por su vitalidad. Tanto de manera emocional como de manera visual, consiguen de una manera algo vacilante, engancharte en una dinámica de subidas y bajadas. Será con la expresividad de cada una de ellas que se consiga que el espectador piense que se encuentra allí. Aprendiéndose el baile, comprando un vestido, bailando en la discoteca o emocionado en el coche.

¿De dónde surge?

Liane es atrevida, tiene 19 años y quiere ser famosa. Todo parte de un cortometraje previo llamado Esperando a Júpiter (2018). Esta vez con Malou Khebizi actriz que debuta como protagonista. Buscando mostrar la fragilidad humana detrás de las cámaras y la necesidad arrolladora de una joven atrapada en su propia vida, dando luz a la cultura del ego.

¿Qué hay en el mundo de Liane?
‘Diamante en bruto’ | Fuente: Caramel Films

Siendo una poderosa representación sobre la obsesión actual por la fama, y explorando temas tan necesarios como la autoestima o la necesidad de validación, a través de Liane. Ella anhela algo que nunca tuvo, además siendo representada como una joven adolescente hipersexualizada, a la que su circunstancia ha decidido que no debe tener esperanza ni mucho menos el control de su futuro.

La película ha sido la única ópera prima en competir por la Palma de Oro en la Sección Oficial del Festival de Cannes, y también ha formado parte de la de Seminci de Valladolid. Además de haber recibido dos nominaciones en los premios César y siendo la que inauguró la Cuarta Muestra de Cine Francés “Francia está en pantalla” en Madrid.

Opiniones

Para algunos tendrá un discurso obvio o incluso paternalista, para otros será una película feroz… pero de cualquiera de los modos, no deja indiferente. A momentos incómoda, quieres chillar, llorar y abrazarte mientras la ves, porque sin duda, es emocionante.

Como por ejemplo, lo comentado por Luís Martínez: «Impacta la expresividad y facilidad con que la película camina cerca de unos precipicios que conoce. Pesa todo, puede y gana el poder de la belleza enfrentada a la posibilidad de su más terrible destrucción

Con Malou Khebizi actriz que debuta como protagonista y Agathe Riedinger como guionista y directora
‘Diamante en bruto’ | Fuente: Caramel Films

Con una iluminación única, una composición de planos interesante y dinámica, y unos personajes profundos, se puede decir que Agathe Riedinger está ahora en el punto de mira para ver con qué nos sorprende con sus futuros proyectos.

Bad Bunny convierte “NUEVAYoL” en un simbólico himno para los inmigrantes latinos

La música de Bad Bunny no solo porta fines de entretenimiento, sino que aclama derechos, protesta y visibilización

El pasado 4 de julio, mientras Estados Unidos celebraba su independencia, Bad Bunny saca a la luz el esperado videoclip de la canción NUEVAYol, eso sí, cargado de significado.

Ellos sí cuentan

Bad Bunny realza a los verdaderos pilares de Estados Unidos, y quienes son una población mayoritaria, los inmigrantes.
Homenajea a la cultura latina en un momento de pleno fervor y oposición, a causa de las denigrantes políticas contra la inmigración de Donald Trump. 

Símbolos

El videoclip fue rodado por Renell Medrano, en el que se producen unos planos secuencias donde se muestra la cultura latina, pero llena de metáforas y simbolismo. Y se grabó  en el barrio del Bronx, donde hay gran presencia latina.
Comienza con una fiesta de quinceañera, señalando un festejo típico uy propio, el cual es truncado debido a que el vestido de la joven se incendia. Símbolo que refleja el yugo estadounidense de Donald Trump, que arrasa calcinando al “otro”.

A su vez, está repleto de escenas costumbristas, familias de renta media o baja y locales pequeños. Puros trabajadores y mano de obra que también es necesaria en un país y que son olvidados o menospreciados.
Aquellos olvidados que sostienen gran parte de la economía y aportan trabajo y esfuerzo. Aunque en los titulares queden relegados al sensacionalismo y a la delincuencia.

Bad Bunny refleja sin dramatismo ni exaltación que cada inmigrante lleva su historia a cuestas y que sus vidas son dignas y válidas.

En el clímax del videoclip, Benito se sube a la estatua de la libertad y coloca ahí la bandera de Puerto Rico. Una clara alusión a la desobediencia civil y a la lucha.
Debido también a que se sitúa dentro de la propia corona, simbolizando estar detrás de unos barrotes de una cárcel, como ocurre en la actualidad con las deportaciones masivas.
Por otra parte, la estatua de la libertad simboliza fuerza, resistencia y derechos humanos.

Videoclip «NUEVA Yol»: Hombres escuchando el discurso de Donald Trump/Fuente: Youtube

El simbolismo de Trump

Aun así, el simbolismo más significativo a la par que sorprendente del videoclip es cuando varios hombres escuchan en una emisora de radio lo que parece ser la voz de Donald Trump.
Este, emite un sarcástico comunicado donde parece disculparse y reconocer el papel de los inmigrantes en Estados Unidos.
La respuesta de los hombres es clara y fulminante, apagan la radio sin emitir palabra. Esto es un claro gesto de firmeza y cansancio, donde el silencio es más que suficiente y mucho más tajante.

Mensaje final

El videoclip finaliza con la frase de: “Juntos somos más fuertes”, un mensaje de unidad y urgencia entre la comunidad. No es un eslogan vacío, es un grito de llamada a la fuerza común.
Es una respuesta al ambiente político actual. A las reformas férreas e inhumanas de Trump, donde pretende encarcelar y abandonar a muchos ciudadanos.
Como con la temida cárcel para migrantes de Alligator Alcatraz, rodeada de caimanes que acechan a los presos en caso de huida, asegurando una muerte segura.

Morning Coffee: agencia novel cosecha dos premios communicator en la 31ª edición anual

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La agencia nacida en Madrid, Morning Coffee, ha sido reconocida por su proyecto multidisciplinar El embrujo trasciende, realizado junto a Amazon Music y el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. La campaña recibió el Premio a la Excelencia en Artes y Entretenimiento, además del primer premio en la categoría Serie de Contenidos Social de Artes, Cultura y Entretenimiento.

31ª Edición anual de los Premios Communicator

Morning Coffee ama los desafíos. Esta agencia y productora creativa apuesta por transformar los procesos narrativos y audiovisuales dentro de la industria musical. Explora nuevas formas de contar lo intangible y busca aportar valor a proyectos disruptivos, que desafían lo establecido y conectan con las audiencias desde la emoción y la innovación.

De esa visión nació el social film El embrujo trasciende, lanzado en noviembre de 2024 con motivo del Mes del Flamenco. El cortometraje está protagonizado por Ángeles Toledano, quien reinterpreta el clásico Sin ti no soy nada de Amaral, en una versión original para Amazon Music. El proyecto se llevó a cabo en colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, uniendo música, arte y memoria desde una perspectiva diversa, contemporánea y emocional.

Este fue el primer vídeo creado como pieza de exposición. Contiene los trazos reales de la artista, que intervino directamente sobre los fotogramas tras una exploración artística en el museo. La propuesta ofrece una mirada vanguardista y una conexión innovadora. El museo apoyó la iniciativa con un recorrido pictórico inspirado en el embrujo del flamenco y sus representantes.

En mayo de 2025, Morning Coffee fue premiada en la 31ª edición de los Communicator Awards, certamen internacional que distingue la excelencia creativa y comunicativa. La compañía recibió galardones en dos categorías: excelencia en artes y entretenimiento y excelencia en serie de contenido social, artes, cultura y entretenimiento

La agencia, que también opera como productora audiovisual, consolida así su propuesta dual: una estrategia social first, combinada con piezas audiovisuales de alto impacto, diseñadas desde su potente departamento creativo.

Un café con Morning Coffee

«En Morning Coffee, nos implicamos activamente en cada proyecto, fomentando una cultura de colaboración, confianza y compromiso, siempre con un profundo cuidado por las personas y las historias que contamos», afirman sus fundadores. «Nuestro equipo joven y apasionado no solo entiende la cultura urbana, sino que vive y respira sus dinámicas, lo que nos permite ofrecer resultados que realmente resuenan con las audiencias.»

Gracias a esta visión, Morning Coffee ha captado la atención de marcas de primer nivel, como Amazon Music, que confían en su trabajo desde hace tres años. Su reputación como una de las agencias creativas más prometedoras del sector sigue en ascenso.

La agencia se posiciona como el socio ideal para marcas que buscan ir más allá de la publicidad tradicional. Su objetivo es crear una conexión profunda con el público, a través de contenidos auténticos y culturalmente relevantes.

Primer proyecto propio como productora: Esto es Raptor

En paralelo, Morning Coffee continúa ampliando su universo narrativo. En el segundo semestre de 2025, estrenará el documental Esto es Raptor House, De Venezuela al futuro, el sonido underground de DJ Babatr. Se trata de su ópera prima como productora.

El documental rinde homenaje al productor venezolano DJ Babatr, pionero del Raptor House. A través de su historia personal, la pieza recorre el fenómeno cultural del que es embajador. También explora la historia sociocultural de Venezuela, las vivencias de una generación y el poder transformador de la música electrónica.

Tommy Hilfiger redefine la sastrería moderna en su triunfal regreso a Pitti Uomo

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Con su nueva colección ‘New York’, Hilfiger fusiona tradición y modernidad, llevando la elegancia masculina a un nivel contemporáneo en el epicentro de la moda

Tras ocho años desde su última aparición, Tommy Hilfiger vuelve a conquistar la última edición de Pitti Uomo. El pasado 17 de junio, en Florencia, una velada única, el diseñador transformó el histórico Palazzo Portinari Salviati en el animado Hilfiger Social Club. Con música en vivo, cócteles y la presencia de influyentes figuras del entretenimiento como el actor Lucien Laviscount, Hilfiger presentó su nueva línea masculina Tommy Hilfiger New York. Esta colección verá la luz finalmente en primavera-verano de 2026.

Una Propuesta de Sastrería Ligera

Esta aparición en Florencia no significa solo el regreso a las pasarelas, sino también una evolución en la propuesta de la marca. Después de haber suspendido su línea de sastrería más formal, «Tailored«, la marca lanza ahora una nueva colección bajo el nombre «New York«. Con una estética que fusiona lo informal con lo formal.Esta colección propone una «sastrería suave«, caracterizada por tejidos ligeros y cortes relajados, ideales para el ritmo de vida moderno.

Escuchamos a nuestros compradores. Esta colección responde a lo que buscan: una elegante mezcla de lo clásico y lo moderno, que sea cómoda y fácil de llevar”, comentó el diseñador, refiriéndose a la fusión de las prendas deportivas con elementos de sastrería tradicional.

Colores y Estilo de Vida

La colección mantiene los colores clásicos de Tommy Hilfiger: rojo, blanco y azul, pero también incorpora nuevos tonos como el rosa empolvado, el azul frío, el beige y el verde oliva. Las prendas clave incluyen camisas a rayas, polos de punto de seda, sobrecamisas ligeras y blazers de lino, diseñados para aportar un estilo relajado pero sofisticado. Destacan los trajes de alto rendimiento y las prendas más informales, como los polos de rugby y las chaquetas de críquet, que se combinan con pantalones cortos para un look que redefine el casual-chic.

Fuente Instagram: @tommyhilfiger
Fuente Instagram: @tommyhilfiger

Una Colección Global

Con la nueva colección «New York», Tommy Hilfiger refuerza su compromiso con la calidad y la sostenibilidad. Han incorporado tejidos técnicos y elásticos que permiten mayor comodidad sin sacrificar la estética. La línea estará disponible en febrero de 2026 en tiendas seleccionadas de la marca, en su plataforma online y en distribuidores multimarca. Con más de 2.000 puntos de venta en 100 países, la marca continúa consolidando su presencia global.

Este relanzamiento no solo subraya el regreso de Tommy Hilfiger a la pasarela, sino también una reinvención que responde a las necesidades de un hombre moderno, sofisticado, pero que valora la comodidad en su vestimenta diaria. Con esta nueva colección, Hilfiger abre un nuevo capítulo en su historia, con la vista puesta en el futuro de la moda masculina.