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El “asian hate”: ¿el verdadero virus es el racismo?

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La pandemia Covid-19, que apareció en la ciudad de Wuhan, en la provincia de Hubei en China, a principios de diciembre de 2019, ha provocado un aumento de los incidentes vinculados al miedo a contraer el virus, a la sospecha, o incluso a la hostilidad, en primer lugar hacia personas de origen asiático, luego de otros orígenes tras la aparición de nuevos focos infecciosos. De ese modo, las respuestas políticas relacionadas con Covid-19 han afectado de manera desproporcionada a las personas de color y a los migrantes: personas que están sobrerrepresentadas en grupos socioeconómicos más bajos, que tienen acceso limitado a la atención médica o que trabajan en trabajos precarios, lo que se ha analizado como un posible aumento de la xenofobia.

Ahondando en este tema, cabe resaltar que el racismo en tiempos de emergencia mundial no es del todo nuevo, como lo han demostrado las pandemias anteriores a lo largo de la historia. De hecho, algunas pandemias se han asociado con el odio y la violencia contra grupos minoritarios (tales como por motivos de etnia, religión, migración y sexualidad). Por ejemplo, la epidemia de peste de 1900, que se cree que se originó en el barrio chino de San Francisco, se ha denominado «enfermedad oriental, peculiar de los consumidores de arroz» por el entonces cirujano general de los Estados Unidos. La respuesta ha sido el racismo generalizado y la detención arbitraria, durante meses, de casi un cuarto de millón de inmigrantes asiáticos. También se ha entablado un paralelo entre la gripe española de 1918 y la epidemia de COVID-19, puesto que ambos eventos ocurrieron en un contexto de prejuicios raciales y racismo sistémico similares.

Otra relación entre COVID-19 y el racismo se manifiesta en el efecto sobre el surgimiento del nacionalismo y el populismo, y sus efectos en las relaciones raciales percibidas durante una pandemia. El nacionalismo excluyente y el racismo suelen estar vinculados. Históricamente, la primera mitad del siglo XX fue una época de creciente nacionalismo en todo el mundo. Cuando estalló la peste bubónica, los sentimientos antiinmigrantes se intensificaron en muchos países como Estados Unidos, Sudáfrica, Argentina y Australia. En los Estados Unidos, este es un momento en que el racismo contra los negros alcanzó su punto máximo con la segregación. Asimismo, la epidemia de gripe española de 1918 generó odio y violencia contra los afroamericanos. En Europa, la epidemia de tifus, que causó muchas muertes en el continente, se utilizó para justificar la persecución y el asesinato, y estuvo implicada en los genocidios, en la masacre de judíos durante el Holocausto y en la masacre de armenios.

La enfermedad es un rasgo estigmatizado común entre las personas que buscan evitar ser portadores sospechosos para proteger su propia salud, como fue el caso durante la epidemia de SARS a principios de la década de 2000. Muchas personas con COVID-19 permanecen asintomáticas y propagan el virus sin su conocimiento. Como resultado, algunas personas recurren a otros rasgos no relacionados con la salud en un intento de identificar posibles portadores.

Una de las tendencias más pronunciadas durante la pandemia de Covid-19 ha sido el aumento de los prejuicios contra las personas de ascendencia asiática, que pueden derivarse del racismo sistémico y están arraigados en estereotipos seculares. Los sentimientos del pasado han resurgido con respecto a las malas condiciones sanitarias y la suciedad atribuida al pueblo y las regiones chinas. Este estereotipo se atribuye a las ciudades grandes y superpobladas de China y los correspondientes barrios chinos de alta densidad en otros países. También circularon otros estigmas sobre «alimentos y hábitos extraños» en estas áreas.  Se ha denunciado la idea politizada de un «virus chino» que produce la ilusión de un solo punto de origen, así como la ilusión de responsabilidad local aislada, habiendo ofrecido el mercado de Huanan en Wuhan a los periodistas internacionales la parte de un evento zoonótico de fantasía. donde se cree que un virus de murciélago latente en un animal «salvaje» se ha propagado a los humanos debido al prejuicio de que todos los chinos comen tales cosas.

La discriminación sistematizada ha llegado más allá de una segregación, llegando a tal punto que en varios puntos del Norte Global, se han cometido presuntos crímenes de odio: En Estados Unidos, una serie de tiroteos que ocurrieron en tres balnearios de Atlanta en los que murieron ocho personas, seis de las cuales eran mujeres asiáticas, tuvo como consecuencia que la alarma ante estos actos atroces discriminatorios en sociedad civil se activara: a raíz de ello, nació el movimiento “Stop Asian Hate”, el cual engloba varias manifestaciones contra la violencia asiática que se llevaron a cabo en aquel país en 2021 en respuesta al racismo contra los asiático-americanos relacionado con la pandemia de COVID-19.

Lamentablemente, estas atrocidades no han ocurrido únicamente en territorio estadounidense: el año pasado, se denunciaron a la policía más delitos de odio contra los asiáticos en Vancouver, Canadá, una ciudad de 700.000 habitantes, que en las 10 ciudades más pobladas de Estados Unidos juntas. El 26 de enero de 2020, dos de los periódicos de mayor circulación de Australia publicaron titulares provocativos. El titular del Herald Sun de Melbourne decía: «Virus pandamonium chino», un error ortográfico de «pandemonium» que alude a los pandas nativos de China, mientras que el titular del Daily Telegraph de Sydney decía «Los niños chinos se quedan en casa». En Bélgica, una mujer belga de origen chino fue llamada «coronavirus», amenazada y escupida por cinco jóvenes en Schaerbeek. En Munich, Alemania, una mujer alemana de ascendencia china fue agredida por un vecino, quien la roció con desinfectante, le gritó «Corona» y la amenazó con cortarle la cabeza. Éstos son algunos de muchos ejemplos de actos de odio contra la población asiática en tanto países desarrollados, como en vía de desarrollo.

Un monumento a las víctimas de una matanza en Atlanta, el martes por la noche, que cobró la vida de ocho personas, seis de las cuales eran mujeres de ascendencia asiática. Fuente: The New Yorker. Fotografía por Megan Varner.

Sin embargo, a diferencia de pandemias anteriores a lo largo de la historia, esta respuesta racista como fenómeno social supone una problemática más preocupante aún. En un mundo globalizado en donde la nacionalidad y la identidad ya no existen en función del fenotipo, las instituciones democráticas se ven debilitadas ante el alza de un sentimiento colectivo de odio en contra de una minoría que, si bien puede verse diferente, inherentemente goza de los mismos derechos que todos los demás habitantes de cualquier país democrático.

La verdadera cara de la moda sostenible

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Una de las industrias más contaminantes del mundo trata de aproximarse a un consumo responsable

Lo cierto es que cada vez hay más empresas que modifican su responsabilidad corporativa para adaptarla a un compromiso medioambiental y la industria de la moda no se queda atrás. Conocidas marcas han renovado su modelo de producción y la sección Join Life destaca por sus materias primas y la fabricación de productos más sostenibles. Además, en las pasarelas se ve cómo cada vez más los diseñadores y diseñadoras tratan de promover un mensaje de concienciación así como se acercan a una moda más sostenible. Pero, ¿hasta qué punto se trata de un verdadero compromiso?

El enorme impacto medioambiental

La industria de la moda es el segundo sector más contaminante del planeta, y aún así, el consumo frenético de prendas de usar y tirar no cesa. Deberíamos hablar entonces del fast fashion, un término que apareció como analogía de la expresión fast food. Y es que la producción masiva de ropa no resulta perjudicial para el medioambiente solo por el consumo de agua sino por los productos químicos que requiere y la emisión de gases de efecto invernadero. 

Un informe de La ONU advierte sobre el coste ambiental de estar a la moda: confeccionar unos vaqueros requiere unos 7500 litros de agua, el equivalente a la cantidad que bebe una persona promedio en siete años. Es decir, es responsable del 20% de la contaminación industrial del agua. Además, este sector produce más de 4.000 millones de toneladas de CO2 cada año, lo que es igual a casi el 10% de las emisiones globales de este gas. Por último, además de los costes ecológicos, también afecta a las condiciones laborales como consecuencia de la deslocalización.

¿Marketing o compromiso?

No cabe duda que el auge del compromiso medioambiental por parte de los consumidores ha contribuido a un giro en la dinámica de muchas empresas del sector. Lo que aún así no deja de generar cierto escepticismo. Existe un debate acerca de si realmente se trata de una estrategia empresarial o no, ya que toda estrategia de marketing promueve el consumismo, algo opuesto a la sostenibilidad.

Por otro lado, no son pocas las personas que renuncian a reciclar su ropa bajo el argumento de “todo lo tiran al mismo lugar”. Y lo cierto es que el reciclaje no está aún tan desarrollado como muchos pueden llegar a pensar. Según un estudio de Circular Fibre Initiative, menos de un 1% del material que se emplea en la fabricación de ropa a nivel mundial se recicla. La mayoría de estos productos acaban en vertederos generando aún más contaminación.

Motivados por la lacra de estos sistemas de producción, la Unión Europea obliga a los países miembros a establecer unos objetivos referentes a la separación de residuos textiles y al reciclado de los mismos para 2025. Esto provocará enormes consecuencias en la industria textil y los Estados miembros deberán impulsar sistemas de recogida selectiva para contribuir con esta medida.

Ya existen muchas firmas que han comenzado a adaptarse a los nuevos hábitos de sus consumidores, como las caracterizadas por el fast fashion H&M, Inditex, Mango, y otras tales como Michael Kors, Burberry, Gucci, Guess o Versace. Y aunque todavía están lejos de denominarse como empresas sostenibles, compromiso o no, el cambio se está haciendo cada vez más evidente.

El verdadero significado de un consumo sostenible

El desarrollo sostenible es aquel que satisface las necesidades del presente sin comprometer la capacidad de las futuras generaciones. Desafortunadamente, esta definición se ve a veces enturbiada por la felicidad momentánea que nos aporta la compra de una nueva prenda. Viviendo en una sociedad habituada al consumo y con unos sistemas de producción aún adaptados al método de la obsolescencia programada, el cambio hacia un nuevo modelo más sostenible no será tarea fácil. 

Varias empresas textiles ya son 100% sostenibles y basan los valores de su empresa en la protección del medio ambiente. Por ejemplo, Humana es una empresa textil de tiendas de segunda mano en la que puedes ir a dejar prendas que ya no usas y comprar otras por un bajo coste, algo que además se ha visto muy beneficiado por la moda del vintage clothing. Además, existen aplicaciones como Vinted que promueven la compra o cambio de ropa de segunda mano por parte de particulares. 

Sin embargo, debemos tener en cuenta que cuando hablamos de prendas fabricadas de forma sostenible, hechas con materiales fabricados a mano, cuidados y no dañinos para el medio ambiente, puede que no siempre encontremos precios tan asequibles como los de aquellos productos fabricados en masa. Se trata de una cuestión de compromiso personal y colectivo, de reducir el consumo a lo esencial. O como bien se dice, “menos es más”, más conocido como minimalismo

Eme García, director de cine: «Los prejuicios son algo inevitable que hemos terminado normalizando»

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Manuel García Fernández (2001) o más conocido como Eme García es uno de los directores de cine con mayor proyección de nuestro país. Este joven talento esta rodando su primer largometraje, El amor que recibes. Este filme trata la historia de una joven, Marina, que vuelve de manera forzada al pueblo natal de su madre. Un pueblo que Marina detesta, pero que poco a poco, a medida que avanza la trama veremos un cambio absoluto dejando. un lado los prejuicios. Es un poderoso relato que nos hará reflexionar sobre los profundos estigmas de la vida rural. El amor que recibes será un largometraje que, sin duda alguna, nos mantendrá pegados a la butaca durante el conjunto del filme. Sin más dilación, ¡vamos a conocer a este joven director conquense!

Pregunta: Antes de hablar de El amor que recibes, ¿de dónde nace esa pasión por el mundo audiovisual?

Respuesta: Desde muy pequeño veía un montón de películas. Me pasaba las horas muertas delante de la pantalla de la televisión y veía en bucle las cintas VHS que tenía por casa. Luego crecí y empecé a coleccionar todas las películas que me gustaban en DVD en la estantería de mi habitación. Digamos que fue ahí cuando nació mi interés por el mundo audiovisual y el cine.

P: Eres un gran activista que lucha en redes sociales contra el bullying o la homofobia. ¿Qué crees que debe cambiar en nuestra sociedad para erradicar este tipo de pensamientos y conductas?

R: Siempre he dicho que la raíz de estos problemas está en la educación que recibimos
cuando estamos creciendo. Estamos en 2021 y parece que todo está muy normalizado, pero en realidad no es así. Aún quedan muchísimas cosas por hacer y, bajo mi punto de vista, se debería empezar por cambiar la forma de educar.

«Estamos en 2021 y parece que todo está muy normalizado, pero en realidad no es así»

P: Al igual que la madre de Marina, vuelves al pueblo que te vio crecer para llevar a cabo tu primer largometraje, El amor que recibes. ¿Qué significa esto para ti?

R: Para mí significa un sueño hecho realidad. Dejé mi pueblo con 18 años siendo alguien
totalmente diferente para venirme a vivir a Madrid, y dos años después vuelvo a mi
casa, a rodar mi película siendo la persona que siempre quise ser.

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Eme Garcia posando en una sesión de fotos. Foto: @sergiovvelarde

P: ¿En qué directores te has inspirado para llevar a cabo tu primer filme?

R: Como castellano-manchego que soy, siempre me ha inspirado el mundo Almodóvar, pero sí que es cierto que el estilo de Bayona me apasiona.

P: A lo largo del largometraje, ¿veremos algún aspecto de carácter autobiográfico?

R: Digamos que en todos mis proyectos hay pinceladas de aspectos de mi vida, pero imagino que es algo inevitable para cualquier autor inspirarse en su vida propia. En este largometraje puedo sentirme identificado con una de las historias que se cuentan, que es la de un chaval que experimenta la dificultad que supone crecer en un pueblo de la España profunda siendo homosexual.

«El estilo de Bayona me apasiona»

P: Si fueras presidente del gobierno, ¿qué soluciones propondrías para evitar el continuo éxodo rural?

R: Intentaría sobre todo aumentar de alguna manera las oportunidades laborales, y cuando esto se haya solventado intentaría asegurar la vida de todas las personas que vivan en los pueblos. Sea cual sea su sexo, raza u orientación sexual.

P: ¿Por qué crees que sigue habiendo en los pueblos estos estigmas de mentalidad cerrada, falta de libertad, una sociedad chapada a la antigua con costumbres machistas?

R: Porque sí que es cierto que siguen existiendo este tipo de personas con mentalidad cerrada, chapada a la antigua y con costumbres machistas. Pero tanto en los pueblos como en las ciudades.

Lo que yo intento defender y denunciar es que no todo el mundo que vive en un pueblo es de esa manera, y que crecer en un pueblo no es sinónimo de todas las cosas que hemos indicado antes.

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Eme Garcia posando en una sesión de fotos. Foto: @sergiovvelarde

«Los prejuicios son algo inevitable que hemos terminado normalizando en nuestra sociedad»

P: Dejando a un lado los prejuicios de los pueblos, lo cierto es que vivimos en una sociedad donde los prejuicios están a la orden del día. ¿Cómo crees que se podría cambiar este mal hábito que hemos ido adoptando a lo largo de los años?

R: Los prejuicios son algo inevitable que hemos terminado normalizando en nuestra sociedad. Como he indicado antes, creo que también el problema viene de la educación. Si cuando somos niños nos educan no solo enseñándonos que existe el negro y el blanco, sino que también existe el gris, creo que al crecer habremos adoptado menos prejuicios.

P: ¿Qué crees que es lo que más nos va a sorprender de la historia de Marina? ¿Cuál crees que va a ser el personaje que más nos va a sorprender?

R: Su personalidad y su manera de enfrentarse a los problemas que encuentra en su camino por las calles del pueblo. Creo que todas las historias os sorprenderán de alguna manera. Tanto la de Marina, como la de Emma, Samuel, Sara, Alba y Puri. Todas guardan un trasfondo especial.

«Solo podemos ensayar por Zoom o Skype»

P: ¿Qué ha sido (o está siendo) lo más complicado del rodaje?

R: Lo más complicado de todo (no solo del rodaje) están siendo los ensayos. Ya que, por las circunstancias en las que nos encontramos tan solo podemos ensayar por Zoom o Skype, pero nos estamos sabiendo adaptar muy bien.

P: ¿Cuándo podremos ver en la gran pantalla tu primer largometraje en el mundo audiovisual como director?

R: Calculamos que el estreno de El amor que recibes tenga lugar al pasar los meses de verano de este mismo año. Así que nos vemos muy pronto en las salas de cine y en plataformas digitales.

Satyajit Ray: Poesía, humildad y tradición

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Una mirada contemporánea hacia La Canción del Camino

Así como el ser humano tiende a hablar sobre sí mismo, y con sus dotes comunicativas se proyecta hacia los demás mediante distintas expresiones artísticas, el cine habla sobre el cine: del otro, del doble, de su proyección física y mental, de los medios de producción, de la(s) historia(s).. la aproximación plástica del movimiento a través de la pantalla tiende hacia una introspección tanto en el contexto industrial como en el autoral. Según el estado del aparato de la industria y de la época en la que se sitúe la obra cinematográfica, esta introspección puede ser más o menos humanista, y no cabe duda de que en el caso de la obra Satyajit Ray, la integración de los valores humanos alcanza su máximo grado.

Contexto

La canción del camino, más conocida por su nombre original Pater Panchali, fue el primer largometraje de un director hoy consagrado en el que se explora la vida de una familia a la que la profunda pobreza aboca al sufrimiento. La película es una adaptación que procede de una resonancia sentimental profunda entre el autor y la novela original homónima, Pater Panchali (Bibhutibhushan Bandyopadhyay, 1929). Es considerada una obra clave en la historia literaria bengalí. Al igual que con su adaptación cinematográfica sobre la que versa este estudio, su notoria influencia ha dejado un legado artístico de especial relevancia aún en nuestros días.

Fue un debut, en palabras del propio Ray, marcado por las técnicas cinematográficas de Renoir y Vittorio Da Sica, pero en términos de producción, su rodaje tuvo una senda económica tortuosa. Pese a intentarlo muchas veces, Ray no logró convencer a los productores del mercado para facilitar la financiación.

Algunos se ofrecieron a negociar el pago de los costes a cambio de cambios en el guion, que Ray rechazó por considerarlos impertinentes. Así pues, en 1952 comenzaba su proyecto teniendo que recurrir a actores y técnicos inexperimentados en su mayoría y cubriendo los costes económicos con sus ahorros personales. Confió en recaudar más fondos conforme la filmación progresara, pero esto no ocurrió de forma uniforme. El rodaje se prolongó por encima de dos años y medio, logrando ayudas de producción  por parte del gobierno de la zona de Bengala Occidental (como es indicado en los créditos de apertura), y finalmente llegó a ver la luz en India el 22 de Agosto de 1955.

La canción del camino fue la primera cinta de lo que llegará a ser la trilogía de Apu, que le encumbrará internacionalmente como director visionario y de prestigio. A lo largo de las tres películas, seguimos la vida del joven Apu a través de sus distintas etapas. El foco de este estudio sobre las tradiciones indias y su humanismo intrínseco entendido a través del cine recae especialmente en la primera entrega dado lo crucial que es la exploración de la infancia mediante los códigos semióticos y literarios de la película.

Indir ensombrecida | Fuente: La Canción del Camino

El caso de La canción del camino es especial por haberse construido en una realidad concreta. El mundo ficticio de la propia película bebe de una relación con su elaboración detrás de las cámaras, y estas similitudes, que van más allá de simetrías puntuales, nos ayudan a comprender su desarrollo íntegramente. Como se ha dicho antes, gran parte del personal, incluido el propio Ray, carecía de experiencia previa. De hecho, así como Apu desoye a menudo las reprimendas de su madre y hermana, su intérprete Subir Banerjee, que hasta entonces no era más que un niño corriente de Calcutta, no fue muy sensible a las órdenes de dirección. En muchas ocasiones, como en la icónica escena del tren, el personal técnico tuvo que colocar obstáculos para que la carrera del niño fuera más irregular. La canción del camino tuvo esta filmación tan poco protocolaria por llevar aparejados su enfoque experimental y los problemas financieros que acompañaron a la producción, pero esto explica mejor el hecho de que la verosimilitud y el humanismo a la hora de retratar la vida rural en Bengala Occidental sean especialmente destacables. 

No podemos olvidar la propia figura de Satyajit Ray. La película es hija de su desarrollo colectivo, encabezado por el director, así como el propio director es hijo de su memoria, de las circunstancias que le condicionaron y que por extensión determinaron que pudiera asir el tiempo a través del cine. En este sentido es apropiado recordar que el linaje de Ray está abarrotado de personas con capacidades artísticas. Su padre Sukumar Ray fue un escritor de renombre en el área de la literatura infantil, así como su ancestro lejano Rabindranath Tagore, premio Nobel de literatura, es conocido por su trayectoria como poeta.

La vinculación especial de su familia a la tradición literaria y folclórica de India la hereda el director, convirtiéndola en un componente sustancial en La canción del camino que este estudio abordará más tarde con algunos ejemplos. 

Apartado Narrativo

Durga compartiendo fruta con Indir | Fuente: La Canción del Camino

Volviendo al contenido de la película, las relaciones intergeneracionales son una parte importante de la misma y como tal se exploran ampliamente. Apu y especialmente Durga sienten un cariño especial hacia la tía Indir, que a menudo confraterniza con ellos. Sin embargo, a la madre de los pequeños se le hace insoportable la presencia de la anciana en casa, tanto que le insta a irse y a abandonar en lugar al ser, a sus ojos, una verdadera molestia.

Los pequeños toman comportamientos de ambos personajes en su día a día. Durga canta como hace Indir, pero también manifiesta a menudo cierto cariz maternal y severo con Apu que refleja los comportamientos de su madre. Son Sarbajaya e Indir las más alejadas en su comprensión mutua, si bien en edad son más cercanas entre sí que a los niños. De esta manera, los agentes visuales de La canción del camino nos otorgan un vistazo verosímil a las brechas sociales propias de la vida familiar en India, intensificadas por la situación de pobreza en la que la familia se ve sumergida. La claridad del discurso de estos agentes es todavía más evidente cuando la aparición de los mismos (comida, abrigo, u otro bien material como el collar enjoyado) es la causa reiterada de los abundantes desencuentros generacionales en el hogar.

En línea con las observaciones acerca del aspecto narrativo, es adecuado señalar que el factor económico no es el único hecho coyuntural de La canción del camino, porque la película fue realizada sin guion previo. Satyajit Ray mapeó la narración de la película mediante notas y dibujos de storyboard, lo que también demuestra su distanciamiento de la estructura dramática tradicionalmente occidental que se señalaba anteriormente.

Pero no se debe contemplar La canción del camino comparándola a modos de representación occidentales, sino como algo autónomo en la medida en que es capaz de asimilar la realidad de su tiempo concreto y relatar efectivamente acerca de ello en la gran pantalla. Prueba de esto es la profunda relación que guardan los elementos simbólicos con diversas tradiciones indias. A ellas se alude desde el propio título de la película: “Panchali” es una palabra bengalí que hace referencia a un canto tradicional en el folclore de Bengala Occidental, caracterizado por ser melancólico y emotivo.

Una estética rompedora

Toda representación propia del linaje cultural y del patrimonio artístico comunitario aúna dos elementos diferenciales: literario y estético. En la película se da especialmente al recaer gran parte del peso dramático en la mente, los sentimientos y la mirada de los personajes.

Estas referencias enriquecen un lenguaje visual que nos estimula profundamente desde el principio de la película. Tomemos el propio inicio como ejemplo: el palimpsesto en el que se nos presenta el título de la película es irregular: el papel donde reposa la caligrafía resalta por tener imperfecciones, por no ser orgánico en la textura y estar simétricamente descompensado. Esto nos indica desde el principio que lo que vamos a ver no va a ser un filme estructurado.

Título inicial de la película | Fuente: La Canción del Camino

La película está rodada en espacios donde los elementos naturales son abundantes, y al contrario de lo que sucede con muchas cintas occidentales, la puesta en escena no ha sido estilizada para lograr uniformidad o simetría, puesto que aquí la naturaleza no es un simple elemento decorativo sino un personaje más que se integra en la vida familiar, relacionándose con los personajes y condicionando su día a día: Desde las frutas que Durga recoge del huerto vecino, pasando por los animales que acompañan gran parte de las escenas y hasta la lluvia que cubre el monzón donde los hermanos comparten sus últimos instantes juntos.

Los hermanos en el campo de cebada | Fuente: La Canción del Camino

Los elementos naturales son ventana hacia la desnudez del alma y hacia la inocencia infantil, pero también hacia la crudeza silvestre del entorno donde esta inocencia tiene que madurar a fuerza de sus primeros contactos con la muerte: primero con Indir y luego con Durga. Y es que desde la introducción, la película nos prepara para la muerte: introduciéndonos un espacio lleno de vida, con felinos recién nacidos y personajes con brío que con el paso del tiempo irán languideciendo y dejando el lugar más vacío, hasta el final; donde había niños animados y mamíferos juguetones ya solo queda una araña y una serpiente.

Otros elementos conforman el imaginario lírico-simbólico de la película y de sus personajes. El recurrente sonido del tren, al principio escuchado por los niños con fervor, es parte de la mitología personal de los hermanos y su mente infantil: lo que atrae por ser desconocido, lo que viniendo de otro mundo se cruza breve y fugazmente en el microcosmos de su vida.

Además, su sonido aparece por última vez acompañando al abandono: el de Durga, que con su muerte deja a la familia, y el de una tierra que como dice Harihar no queda más remedio que abandonar. El tren marcha por las vías sin detenerse como los personajes transitan por su historia en la casa: la vida y la naturaleza en la pequeña comuna es un camino arrastrado por el tiempo y sus estragos.

Legado y Recepción

No deja de ser llamativo el hecho de que un proyecto con una producción tambaleada por la escasez económica y de medios pasase a la historia como una de las bases culturales imprescindibles en el patrimonio cinematográfico Indio, especialmente teniendo en cuenta el hecho de que su lenguaje visual y literario no eran los propios de las producciones llamadas al éxito comercial. Pero vaya si lo tuvo: La canción del camino gozó en su estreno de una acogida arrolladora en India, con una recaudación que rondaba las 100.000 rupias en taquilla.  La película fue mostrada al final del Festival de Cannes en 1956, siendo nombrada “Mejor documento humano” del evento.

A día de hoy, su legado continúa inspirando a espectadores de toda inquietud y vocación, y cuenta hasta la fecha con tres restauraciones oficialmente distribuidas. La última, en 2015, fruto de la colaboración entre la compañía de distribución The Criterion Collection y de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Muchos expertos coinciden también en que La canción del camino inicia formalmente el movimiento del Cine Paralelo, caracterizado por romper convenios narrativos entonces establecidos en el cine indio en pos de historias con mayor autenticidad y realismo social.

Con un pie en la inmortalidad

Satyajit Ray empieza su autobiografía describiendo como en el colegio, le pidieron al director y a sus compañeros dibujar un árbol. Algunos comenzaron a hacerlo trazando el contorno de la copa con sus hojas, lo que el profesor corrigió pidiéndoles que lo dibujasen empezando por las raíces, dado que es desde la tierra hacia el cielo como crecen los árboles, y no al revés.

Asimilando los conceptos expuestos en este texto, algo que podemos extraer con claridad es que en su primera obra, La canción del camino, Ray demuestra dibujar con precisión el árbol de la tríptica vida de Apu, cuyo crecimiento, como el del propio cine, es a través de una maravillosa mirada imaginativa.

La conmovedora grabación de unos niños que logran atrapar la vida pese a estar sepultados en la pobreza brilla por su certero manejo del lenguaje y la información y por sentar precedente en el realismo social expresado a través de la cámara. La cuidada visión melancólica del director indio, pese a nacer sola entre un lodo de dificultades, ha granjeado adeptos tanto en el espectador común como en el cineasta vocacional. Es considerada un punto de inflexión por su cercano tratamiento de la infancia utilizando una plétora de miradas generacionales en una realidad social devastadora. 

Tengo la sensación de que los momentos verdaderamente cruciales de una película deben de ser sin diálogos. Las transcisiones realmente importantes, y los clímax, en los que quieres exponer un punto importante, funcionan mejor si lo haces de manera visual que verbal.

-Satyajit Ray

¡Vuelve Mask Singer y las primeras predicciones!

El programa regresa el lunes 17 de mayo a Antena 3 con un programa especial que promete ser mucho más internacional, con numerosas novedades y pistas más difíciles

Nuevas máscaras, famosos impactantes y un jurado que se consolida con una nueva incorporación son solo algunas de las claves del programa que regresa este lunes a Antena 3 para descubrir el secreto mejor guardado de la televisión: las máscaras de Mask Singer. La Gatita, El Plátano, El Cocodrilo, El Flamenco, El Huevo, La Mariposa, La Monstruita, El Ángel, Cactus, La Rana, El Erizo, El Perro, La Menina, La Medusa y La Dragona son los personajes elegidos para ocultar la identidad de los famosos que se esconden tras ellas.

Paz Vega: nueva incorporación como investigadora

Aunque los verdaderos investigadores somos todos aquellos que programa tras programa intentamos crear teorías que se sostengan, Paz Vega se estrena como investigadora en Mask Singer sustituyendo a Malú. La actriz, ganadora de la primera edición con Catrina, ha decido embarcarse y disfrutar el programa desde el otro lado.

Paz Vega como Catrina en Mask Singer
Paz Vega como Catrina en Mask Singer | Fuente: Antena 3

Las primeras pistas significan predecir y predecir

Es demasiado pronto para comenzar con teorías enrevesadas a la altura de la edición pasada pero desde El Generacional nos lanzamos a la piscina. Quién sabe, igual con las primeras pistas conseguimos dar en el clavo. Llaman especialmente la atención las que ofrecen un dato concreto y no algo general que apunta hacía infinitos cantantes, deportistas o actores.

Dragona: «Lo mejor de mi casa es que puedo ser yo misma y recuperar mi verdadero nombre, que muy poca gente conoce»

Dragona nos deja entrever que no todo el mundo conoce su verdadero nombre. Rápidamente la cabeza comienza a pensar en famosos que tengan un apodo que no se corresponda con su nombre. Lo sé, hay infinidad de ellos. Desconozco si todo el mundo lo sabe o si es algo desconocido para la mayoría pero María Laura Corradini Falomir es el nombre real de Chenoa. Ahí queda dicho, aunque habrá que esperar para descubrir más pistas ¿quizás relacionadas con su famosa aparición en chandal o con su nacionalidad argentina?

Chenoa | Fuente: DIEGO PEREZ CABEZA (EFE)
Chenoa | Fuente: DIEGO PEREZ CABEZA (EFE)

Cactus: «Soy un cactus, soy fuerte, transmito paz y la gente me tiene cariño. Tanto, que hasta podría haber sido un líder mundial. Pero ¿cómo solucionar lo de los abrazos en los mitines?»

Sí, el cactus es verde VOX. Y todos conocemos que pasó con Javier Ortega Smith y sus abrazos durante un mitin del partido político color cactus. Demasiado obvio para ser verdad que Ortega Smith se escondiese debajo del cactus. Llama especialmente la atención lo de los abrazos. Y buscando posibles abrazos polémicos en el mundo político he encontrado el siguiente tweet. Aunque no creo que la cosa vaya por aquí.

Cocodrilo: «Lo que no le pase a un cocodrilo al otro lado del charco… Si hasta me han invitado a cenar a la Casa Blanca! Ese día le saqué todo el brillo a mis dientes de oro»

Mi apuesta es José Andrés Puerta, el cocinero español que reside en EEUU y que tiene dos estrellas Michelín, que casualmente son doradas (como los dientes del cocodrilo). Además, investigando, él y su mujer acudieron a cenar a la Casa Blanca con Michelle y Barack Obama. El cocinero fue incluido en 2012 por la revista ‘Time’ en el listado de las 100 personas más influyentes del mundo.

José Andrés y su esposa, Patricia, junto a Michelle y Barack Obama en la Casa Blanca | Fuente: El País
José Andrés y su esposa, Patricia, junto a Michelle y Barack Obama en la Casa Blanca | Fuente: El País

Monstruita: «Me he preparado mucho para estar a la altura de Mask Singer… Ahora me veis con este monstruoso tipazo peludo, pero tengo que confesar que he llegado a pesar casi 30 kilos más… ¡Me pirro por las chuches!»

Tengo una apuesta clara: Rebel Wilson. Sinceramente, ojalá sea ella. 30 kilos es el número exacto que la actriz australiana perdió en menos de un años. ¿Casualidad, no lo creo? Además, en numerosas entrevistas hace referencia a su pasión por las chuches ¿De nuevo casualidad?

Fuente: Vanitatis
Fuente: Vanitatis

¿Será la conocida actriz de ‘Dando la nota’ quien se esconda detrás de Monstruita?

Fuente: Vanitatis (Getty)

Aunque el resto de máscaras también tienen pistas resulta difícil elaborar una teoría firme. Es por ello que habrá que esperar a escuchar sus voces, ver sus movimiento y conocer nuevas pistas el próximo 17 de mayo cuando arranque la nueva edición de Mask Singer con un programa especial.

El 15M, diez años después

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Analizamos junto a Ramón Espinar, Juan Carlos Monedero y Miguel Urbán cómo fue éste movimiento, cuáles fueron sus causas y qué consecuencias ha tenido en la política y sociedad españolas

Muchos de los jóvenes de hoy en día no son capaces de sentirse identificados con este movimiento que transformó el panorama político y social español a partir de 2011. Sin embargo, el movimiento 15M fue decisivo en la regeneración democrática española, siendo un momento clave de la historia reciente de nuestro país.

Con el fin de asimilar qué fue el 15M, sus participantes, las causas que lo motivaron y las consecuencias que generaron, hemos hablado con tres participantes del movimiento 15M y cofundadores de Podemos. Ramón Espinar; ex senador y ex diputado de la Asamblea de Madrid, Juan Carlos Monedero; profesor de Ciencia Política en la UCM y Miguel Urbán; diputado en el Parlamento Europeo desde 2015. El propósito del artículo es recabar sus análisis, ya sean coincidentes o discrepantes, acerca de todo aquello que envolvió este movimiento.

¿Qué fue el 15M?

Ramón Espinar nos habla de cuatro sentimientos. Por un lado, la frustración por la gestión de la crisis. Por otro, la rabia ante la incapacidad de canalizarlo a través de ningún cauce democrático. En tercer lugar, la decepción con unas élites económicas y políticas en las que la ciudadanía había depositado su confianza desde el periodo de la Transición. Por último, la afirmación de una nueva forma de participar en política. Un hartazgo de las viejas élites que llevó a la necesidad no de entronizar unas nuevas élites, sino de asumir un mayor protagonismo ciudadano.

De alguna forma, coincide con el análisis realizado por Juan Carlos Monedero. «El 15M fue una gran conversación que habló con las palabras creadas a lo largo de una década. Son palabras como espadas forjadas durante el No a la guerra de Irak, en las manifestaciones universitarias contra el Plan Bolonia, en las huelgas y en los primeros de mayo, etc. que aprendió de las protestas en el mundo árabe, en Grecia, en Portugal.»

«El 15M fue una gran conversación, antesala de un gran cambio que iba a despedir a los grandes acuerdos construidos en España después de la muerte de Franco, que bebía de todos los descontentos que se fueron acumulando y que se expresó con las nuevas herramientas del siglo».

El análisis de Miguel Urbán coincide en gran medida con los anteriores, ya que considera que los factores más determinantes fueron los recortes, el austericidio, la reforma (por el fondo y las formas) del artículo 135 de la Constitución, la corrupción rampante… «Todo ello junto a otros factores hizo poner en cuestión la legitimidad del Régimen del 78.»

¿Cómo se gestó?

El 15M como gota que desbordó el vaso tan solo fue posible gracias a un reducido número de personas que decidió acampar en Sol tras una manifestación. «El 15 M nació de una manifestación que era “otra” manifestación, que venía más cargada porque en el ambiente algo decía que la sordera del gobierno y de las instituciones era ofensivo. Pero nada había escrito que ese día iba a ser diferente. Lo fue porque alguna gente decidió quedarse a acampar en la Puerta del Sol.», apuntaba J.C. Monedero.

«Todos teníamos la sensación de que debía suceder algo, pero no sucedía«. Según nos cuenta R. Espinar. «La idea de la acampada surge de un núcleo de gente muy pequeño, y en realidad no termina de tomar vuelo hasta el día siguiente. Es al día siguiente cuando empieza a correr el boca oreja de que se ha quedado gente en Sol cuando desembarcamos muchos más.»

El movimiento histórico que se estaba viviendo esos días en la Puerta del Sol, permitió, de acuerdo con M. Urbán, que la movilización social y la autoorganización popular impugnaran el relato oficial de la cultura de la Transición. «Como apuntaba Daniel Bensaïd, las revueltas y las revoluciones llegan cuando todavía no se les espera o cuando ya no se les espera.»

Mensajes reivindicativos durante la acampada en mayo de 2011

¿Quiénes fueron partícipes del movimiento 15M?

Ante esta cuestión, las respuestas fueron variadas aunque con elementos comunes. En primer lugar, la descripción de los participantes en este movimiento fue muy amplia en el caso de M.Urbán: «Gente ante todo interpelada por lo común y personas afectadas directamente por el austericidio»

R.Espinar profundiza más, hablando de un perfil generacional principalmente de aquellos nacidos a finales de los 70 y en las décadas de los 80 y los 90. Sin embargo, el 15M fue un paraguas, un movimiento muy heterogéneo bajo el cual se encontraban desde miembros de la P.A.H., en el cual participaba un gran movimiento migrante, hasta jóvenes universitarios de clase media-alta (Juventud sin Futuro), pasando por los profesionales de la marea blanca o la marea verde.

El análisis que nos proporcionó J.C. Monedero se centró en un grupo del que ya nos habló R. Espinar.  Habla de aquellas clases medias a las que se les había interrumpido el ascensor social, jóvenes sobradamente preparados que vivían peor que sus padres, gente que ya no veía en la democracia aquello por lo que habían luchado sus padres sino un fraude. «Juntó a gente que, con un análisis más pormenorizado, nunca se hubieran juntado. Estaban ahí porque querían regenerar el país«.

¿Cuáles fueron, o han sido, las consecuencias de este movimiento?

R.Espinar es claro cuando habla de las consecuencias del 15M. En cuanto a las consecuencias inmediatas; el fin del bipartidismo y del modelo tradicional de representación política o la inauguración de una nueva cultura política más participativa. En cuanto al medio-largo plazo, pone de manifiesto las diferentes formas de gestión en lo relativo a la crisis de 2008 y la relacionada con esta pandemia. «Se han hecho intolerables algunas formas de gestión en materia de política económica, la ciudadanía lo ha hecho intolerable. Ya no permite que suceda un modelo de gestión como el de 2008.»

M.Urbán habla ante esta cuestión de cómo el 15M logró ocupar el espacio público de las ciudades, tomando las plazas, politizando las prácticas sociales y promulgando el debate público. Los barrios se convirtieron en lugares de agregación colectiva, de anclaje social en lo territorial y en las realidades cotidianas de la gente.

Para J.C. Monedero, sigue esta línea de análisis afirmando que el 15M marcó un nuevo rumbo en la política. «Las primarias en los partidos, la rendición de cuentas, la mayor sensibilidad frente a la corrupción, la aprobación y cumplimiento de códigos éticos en los partidos, la limitación de los mandatos, la reducción de los sueldos de los políticos, la reclamación de mayores dosis de transparencia (…) el fin del voto rogado es un buen ejemplo de lo que ha logrado el 15M».

Protesta en la Puerta del Sol en mayo de 2011

¿Qué queda hoy del 15M?

M. Urbán, citando a Marx: «Todo lo sólido se desvanece en el aire», nos habla de que la impugnación intuitiva del régimen que se dio en el 15M al grito de «democracia real ya» no llegó a abrir procesos constituyentes que impulsaran una nueva institucionalidad y la ruptura democrática.

«Aquellas certezas inamovibles sobre las que se construyó el sistema político y económico español siguen estando en cuestión. Aunque el ciclo se haya cerrado, no se cerraron las brechas. Y pese a los intentos por apuntalar el Régimen del 78, la Monarquía sigue en una crisis profunda, y el PSOE tiene dificultades para reinstaurar la pata izquierda del bipartidismo.»

Mientras, Ramón Espinar concluye, al hilo de las diferentes gestiones en 2008 y ahora, que lo que queda del 15M se halla en la mentalidad colectiva. «Queda un legado en términos de cultura política. Hubo cambios por aquel entonces en la psicología colectiva que ya son irreversibles«.

Conclusiones

Tras 10 años, queda ya tan sólo echar la vista atrás y ser conscientes de los logros y los errores tanto del 15M, como de los movimientos que surgieron a raíz de éste. Como señala R.Espinar, es imposible que se cree un «nuevo 15M», el 15M ya ha pasado y los nuevos movimientos sociales tendrán cada uno sus razones de ser y sus implicaciones.

Sin embargo, y como concluye J.C. Monedero, en una Europa que todavía está tentada por la austeridad, es probable que el creciente descontento por la crisis generada tras esta pandemia se capitalicen en nuevas formas de fascismo del siglo XXI (por ejemplo trumpismo).

«No es lo mismo sentirse cuidado en las plazas desde la fraternidad, que sentirte cuidado en una identidad excluyente y violenta que necesita odiar para tranquilizar. La fraternidad es la unión de los de abajo contra los privilegios de los de arriba. Es esa que hablaba el 15M cuando decía: «No somos antisistema, el sistema es antinosotros» y que advertía que podía enfadarse recordándole al poder que “si no nos dejas soñar, no te dejaremos dormir”.

Blas Cantó realiza su primer ensayo técnico para Eurovisión 2021

Los países del Big 5 y el país anfitrión se subieron ayer al escenario del Rotterdam Ahoy para su primer ensayo

El Festival de la Canción de Eurovisión está más cerca que nunca. Debido a la cancelación de su edición anterior, han pasado casi dos años desde la última final del concurso europeo el 18 de mayo de 2019.

El pasado 8 de mayo daban comienzo los ensayos de los 39 países participantes en Eurovision 2021. En jornadas anteriores ya han tenido su primera toma de contacto con el escenario las 33 naciones que tienen que superar las dos semifinales. Los días 8 y 9 ensayaron los 16 primeros, comenzando por Lituania y terminando con Malta. Por otra parte, los 17 restantes lo hicieron en los días sucesivos.

Ayer tocó el turno de los países miembros del Big 5 y de Países Bajos, el anfitrión. Para quién no lo sepa, este término incluye a las naciones que mayor aporte económico reportan a la Unión Europea de Radiodifusión: Alemania, España, Francia, Italia y Reino Unido.

Estos cinco son los únicos que desde que existen las semifinales en el concurso no tienen que pasar el corte y van de forma directa a la final. A ellos se une, cada año, el país ganador del año anterior. En este caso, Países Bajos que obtuvo su quinto triunfo en 2019 con la canción Arcade interpretada por Duncan Laurence.

Italia – Måneskin – Zitti e Buoni 

Componentes del grupo Maneskin ensayando en Eurovision
Måneskin primer ensayo en el Rotterdam Ahoy | Fuente: UER/ THOMAS HANSEN

Los italianos Måneskin han sido los primeros del grupo de clasificados directamente a la final en subirse al escenario. No hay que ser un gran amante del rock para descubrir cuál es el tipo de música que hacen. Representan a su país con la canción Zitti e Buoni.

En su puesta en escena encontramos visuales en tonos rojos con las siluetas de los miembros de la banda. Incluyen además, filas de luces del mismo color en la plataforma central. De hecho, la iluminación en el centro del escenario acapara gran parte del espectáculo. Por si esto fuera poco, se pueden observar continuos cambios de plano que aportan dinamismo a la actuación.

En cuanto al vestuario, el vocalista Damiano aparece en su actuación sin camiseta y unos pantalones plateados brillantes. Por el contrario sus compañeros apuestan por una vestimenta negra con detalles también en tonos plata.

Desde que fueron elegidos tras ganar el Festival di Sanremo, han estado siempre entre los primeros puestos de las apuestas de pago. Esto convierte a Italia en uno de los candidatos más fuertes al triunfo en 2021.

Alemania – Jendrik – I don’t Feel Hate

Jendrik, Germany, First Rehearsal, Rotterdam Ahoy, 13 May 2021
Alemania primer ensayo en el Rotterdam Ahoy | Fuente: UER/ THOMAS HANSEN

El alemán Jendrik acompañado de su característico ukelele presenta una actuación llena de color y diversión para defender su tema I don’t feel hate. 

Jendrik aparece sobre el escenario vestido con una americana rosa con ribete negro y unos vaqueros. Le acompañan tres coristas que se mueven al ritmo de la música junto a él y una mujer disfrazada de mano gigante con el dedo corazón levantado.

La actuación está llena de energía y diversión y además, en la pantalla LED hay explosiones sucesivas de colores rosa, azul, amarillo y verde sobre un fondo negro. También, se pueden observar algunos insultos que desaparecen rompiéndose para transmitir el mensaje de la canción: «no siento odio«.

Países Bajos – Jeangu Macrooy – Birth of a New Age 

Jeangu Macrooy, The Netherlands, First Rehearsal, Rotterdam Ahoy, 13 May 2021
Primer ensayo de Países Bajos en el Rotterdam Ahoy | Fuente: UER/ THOMAS HANSEN

El cantante neerlandés Jeangu Macrooy aparece en un primer plano vestido con un traje azul eléctrico y un arnés. En el escenario le acompañan dos coristas y un bailarín para contar su historia en los tres minutos de actuación.

El país anfitrión aprovecha en su primer ensayo la regla que permite actuar con coros grabados previamente para crear un mayor impacto sobre el escenario. La frase «You can’t break me» (no me puedes romper) aparece en la pantalla LED durante el estribillo. A su vez, es una traducción al inglés de la frase original en surinami: Yu no man broko mi.

Países Bajos espera conseguir con esta participación su sexto triunfo con el tema Birth of a New Age que no ha conseguido calar en el público eurofan. Al menos, este año tienen segura su participación directa en la final en la que actuarán en el puesto número 23.

Francia – Barbara Pravi – Voilá

Barbara Pravi, France, First Rehearsal, Rotterdam Ahoy, 13 May 2021
Primer ensayo de Francia en el Rotterdam Ahoy | Fuente: UER/ THOMAS HANSEN

Barbara Pravi se convirtió en la representante del país tras ganar Eurovision France, c’est vouz qui décidez con la canción Voilá. 

La francesa presenta una actuación casi calcada a la de su final nacional. La puesta en escena es increíblemente estilosa y minimalista. No hay fondos visuales en la pantalla, no hay bailarines, simplemente Barbara subida sobre una plataforma.

Con un mono negro de dos piezas, lo que cabe destacar es el fondo completamente negro con luces que iluminan únicamente a la cantante. La realización y los planos durante el puente de la canción mantienen el dinamismo que acompaña al aumento de ritmo de la melodía.

Puede que a alguna persona de nuestro país le suene su canción dado que fue invitada a cantar Voilá en el programa Rocío: Contar la verdad para seguir viva.

Junto con Italia, Malta, y Suiza ha sido una de las candidaturas que siempre se ha mantenido entre los primeros cuatro puestos de las apuestas de pago, siendo primera en varias ocasiones. ¿Le otorgará Pravi su sexta victoria a nuestros vecinos franceses?

Reino Unido – James Newman – Embers

James Newman, United Kingdom, First Rehearsal, Rotterdam Ahoy, 13 May 2021
Primer ensayo de Reino Unido en el Rotterdam Ahoy | Fuente: UER/ THOMAS HANSEN

James fue elegido por la BBC para representar al Reino Unido en Eurovision 2021 de forma interna con el tema Embers. El artista aparece acompañado en el escenario por cuatro bailarines. No sólo eso, hay dos apoyos de trompeta gigante que comienzan en el aire y descienden al suelo durante la introducción.

Durante el puente James está rodeado de láseres. No obstante, no aprovecha del todo el espacio del escenario para agregar más elementos y tal vez sería bueno ver algún tipo de interacción entre James y sus bailarines.

España – Blas Cantó – Voy a Quedarme

Blas Cantó, Spain, First Rehearsal, Rotterdam Ahoy, 13 May 2021
Primer ensayo de España en el Rotterdam Ahoy | Fuente: UER/ THOMAS HANSEN

El murciano Blas Cantó hizo su primer ensayo a las 18:55 de ayer. Su concepto escénico ha sido dirigido por el austriaco Marvin Dietmann, quién se encargó de la puesta en escena de la ganadora Conchita Wurst en 2014. Además, este mismo año ha montado el staging de Albina (Croacia), Benny Cristo (República Checa), Elena Tsagrinoú (Chipre), Uku Suviste (Estonia), Victoria (Bulgaria) y Vincent Bueno (Austria).

Blas nos presenta el tema Voy a Quedarme, una balada en la que intenta transmitir el sentimiento de pérdida que siente tras la muerte de su abuela y su padre en meses anteriores.

Comienza cantando la primera estrofa completa acapella con una iluminación tenue y tonos blancos y azulados en los laterales. El suelo está cubierto de humo. A medida que va avanzando el ritmo de la canción se van sucediendo distintos juegos de luces.

Hacia la mitad de la canción un cielo estrellado y una luna gigante comienzan a bajar y quedan suspendidos detrás de Blas. En el momento del falsete, hay una explosión con fondos galácticos en tonos dorados en la pantalla. Finalmente, la luna se vuelve roja cuando termina la canción.

Al parecer, la actuación no ha convencido a los fans del concurso ni del propio cantante. En el directo que hicieron en el portal eurovision-spain.com en su canal de YouTube, Luka (uno de los redactores de la página) calificó la actuación española como la nada más absoluta.

Parece que España sigue sin encontrar la clave del éxito en el Festival de Eurovision. Y es que desde el año 2014, en el que Ruth Lorenzo quedó en 10ª posición con la canción Dancing in The Rain, España ni siquiera ha estado por encima del puesto 20 del concurso de canciones.

Los ensayos de los semifinalistas

Por otra parte, los 16 participantes en la primera semifinal y los 17 de la segunda han realizado ya su segundo ensayo para las galas que se celebrarán los días 18 y 20 de mayo. En esta ocasión, las países aprovechan para realizar los cambios de aquello que no salió correctamente o que había que pulir del primero.

Por ejemplo, las representantes de Malta y Azerbaiyán decidieron cambiar su vestuario. La maltesa Destiny Chukunyere apareció en su segundo ensayo con un vestido de pedrería plateado, reemplazando al rosa del primero. Mientras que Efendi sustituyó su vestido inicial negro con hombreras por uno más comedido pero también con más brillo.

Otro cambio significativo ha sido el que ha llevado a cabo Macedonia del Norte. El equipo macedonio quería que durante un momento de la interpretación del tema Here I Stand los focos incidiesen en el pecho de su representante Vasil, que tendría un bordado de espejos para reflejar la luz. Sin embargo, no consiguieron que ese efecto se lograse apreciar en cámara, cosa que sí solventaron en su segundo ensayo.

¿Qué país ganará Eurovision 2021? Pues probablemente nos encontremos ante uno de los años más abiertos en lo que a posibilidad de resultados se refiere. Los países no dejan de subir y bajar de las apuestas de pago.

En nuestro país el Festival podrá seguirse en RTVE. Las dos semifinales se emitirán en la 2 los días 18 y 20 de mayo a las 21:00. Mientras que la final podrá verse en la 1 el sábado 22 de mayo a las 21:00, noche en la que Blas presentará su canción y será el público y un jurado de profesionales europeo quién decida el resultado.

¿Qué está pasando en Israel?

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Tras la polémica generada en el barrio de Sheij Yarrah, Hamás lanza más de 1.600 cohetes a Israel. A esto, se unen numerosas revueltas de árabes israelíes en Lod, Ramla y Haifa y una linchada contra árabes en Bat Yam.

Estamos ante el peor conflicto desde la guerra en 2014. Se registran 67 víctimas en Gaza, 8 en Israel y más de 400 heridos entre ambos lados. Durante esta semana, Hamás ha lanzado más de 1600 cohetes hacia ciudades israelíes de los cuales se calcula que un cuarto no han alcanzado su destino y han caído dentro del territorio palestino. A esto, se unen numerosas protestas violentas entre árabes israelíes y judíos en Lod, Ramla, Bat Yam y Haifa.

Desde hace más de tres semanas, Sderot y Ashkelón, ciudades al sur de Israel, reciben cohetes diarios dirigidos a población civil. La escalada en los ataques ha ocurrido tras los disturbios en Jerusalén el pasado fin de semana. El viernes, con la llegada del final del Ramadán, comenzaron revueltas de radicales palestinos en la Explanada de las Mezquitas.

Disturbios en Al Aqsa | Fuente: El País

Día de Jerusalén

El lunes 10 de mayo se celebró el Día de Jerusalén, fiesta que celebra la reunificación de la capital israelí tras la Guerra de los Seis Días. Centenares de israelíes fueron a la capital a celebrar dicha fiesta, pero las revueltas de los palestinos seguían y vieron esta festividad como una provocación. La policía tuvo que intervenir cuando palestinos comenzaron a tirar piedras sobre civiles.

Los extremistas palestinos se refugiaron en Al Aqsa, tercer lugar más sagrado en el Islam, y mientras que cientos de árabes estaban rezando, palestinos seguían tirando piedras desde ahí. La policía acabó entrando al complejo religioso lo que causó controversia y enfado en sectores árabes y sobre todo en Hamás. El incidente acabó con 200 heridos palestinos y 17 policías.

Policía neutralizando a un palestino que acababa de herir a un judío ultraortodoxo | Fuente: El País

Ataque a Gaza

En represalia, desde la madrugada del miércoles 12 de mayo, el ejército israelí comenzó una serie de redadas y ataques selectivos contra el brazo militar de Hamás y la Yihad Islámica en Gaza que acabaron con 25 altos cargos de estos grupos terroristas, más de 40 civiles, una sede de inteligencia de Hamás, dos túneles de ataque y un edificio de almacenamiento de mercancías según informa la agencia palestina WAFA.

Como consecuencia inmediata a la muerte de sus efectivos, Hamás intensificó sus ataques, esta vez dirigidos a todo el territorio israelí incluyendo Tel Aviv y Jerusalén. Desde el comienzo de la semana, el número de cohetes lanzados desde Gaza se eleva a 1.600 de los cuales se calcula que cuatrocientos han caído en el territorio palestino causando víctimas en su propia población.

Cúpula de Hierro

La Cúpula de Hierro es el sistema de defensa del ejército israelí que ha interceptado en torno a un 90% de los cohetes lanzados. El sistema consiste en derribar los misiles en el aire, antes de que intercepten en la población civil. Para ello, el radar del «Iron Dome» detecta los cohetes rápidamente y transmite la información a un centro militar de operaciones que analizan los datos y activan el derribo de dicho misil. Esta tecnología fue implementada por primera vez en 2011 y ha desempeñado un papel fundamental en la defensa de civiles frente a ataques desde la franja de Gaza.

Linchamientos y disturbios dentro de Israel

Crece la tensión en ciudades con alta población árabe israelí. Las protestas comenzaron el martes en la ciudad de Lod y se han extendido a Akkó, Ramla y Haifa. La oleada de ataques a judíos con cuchillos e intentos de linchamiento, la quema de vehículos y sinagogas acabó con más de 400 detenidos y con la muerte a tiros de un árabe.

Como reacción a estos actos vandálicos, judíos israelíes ultraderechistas se tomaron la justicia por su mano en la ciudad de Bat Yam rompiendo ventanas y lanzando ladrillos contra negocios de propiedad árabe. Políticos de ambos lados condenaron todos los actos de violencia.

¿Qué es Sehij Yarrah y qué tiene que ver con todo esto?

Sheij Yarrah es un barrio de Jerusalén este que desde hace años lidia con una problemática complicada. Familias palestinas viven desde hace más de seis décadas en esta zona y están siendo desalojadas por la justicia israelí.

En 1956, el este de Jerusalén estaba bajo el control de Jordania. El barrio de Sheij Yarrah estaba deshabitado siendo un campo de olivos. Jordania llegó a un acuerdo con la UNRWA (Agencia de la ONU para los Refugiados de Palestina) para construir viviendas a 28 familias palestinas.

Tras la conquista de Jerusalén este en la Guerra de los Seis Días, las familias de este barrio pasaron a vivir en territorio israelí. El problema está en que el terreno donde están dichas viviendas fue comprado por emigrantes judíos durante el siglo XIX (cuando la región estaba controlada por el Imperio Otomano). Los derechos de propiedad siguieron en vigencia con el mandato inglés, pero, desde 1948 hasta 1967 durante el control jordano, perdieron vigencia debido a la privación de judíos del derecho de propiedad en Jordania (ley que sigue vigente actualmente).

Una mujer palestina y un hombre judío discuten en Sheij Yarrah | Fuente: BBC

‘Amor, amor, catástrofe’ vuelve a representarse esta vez en el Teatro Español

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Una historia, tres puntos de vista

Desde el 5 al 23 de mayo se representará en el Teatro Español la obra Amor, amor, catástrofe, una obra escrita por Julieta Soria y dirigida por Ainhoa Amenstoy. Esta obra dramática cuenta la historia de amor que tuvo Pedro Salinas fuera del matrimonio con Katherine Whitmore. Paralelamente, se cuenta la reacción que tiene su mujer, Margarita Bonmatí, al encontrar las cartas que el poeta le mandaba a escondidas a su amante.

Lidia Navarro, Lidia Otón y Juan Cañas en ‘Amor, amor, catástrofe’ | Fuente: Teatro Español

Muchos de nosotros conocemos a Pedro Salinas, uno de los autores de la Generación del 27. Sabemos también que él fue quien escribió tres de las obras poéticas de temática amorosa más afamadas del siglo XX: La voz a ti debida, Razón de amor y Largo lamento. Cuyos escritos han tenido, hasta comienzos del siglo XXI, la incógnita de saber si esos poemas iban dirigidos a una amada real o ficticia. Sobre esos hechos reales, la autora Julieta Soria, junto con la directora teatral, Ainhoa Amenstoy, tejen un triángulo amoroso cuyos protagonistas son: Pedro Salinas (Juan Cañas), Katherine Whitmore (Lidia Navarro) y Margarita Bonmatí (Lidia Otón). Titulado: Amor, amor catástrofe.

La obra cuenta la relación extramatrimonial que Pedro Salinas tuvo con una profesora estadounidense llamada Katherine Whitmore. Por otro lado, está la mujer de Salinas, Margarita Bonmatí, que se ha enterado de su relación. Esta historia se cuenta a través de tres monólogos que se van intercalando. Margarita Bonmatí está a orillas del río Tajo donde va a explicar el por qué está allí. Luego, Pedro Salinas se encuentra en su estudio escribiendo cartas a su amada. Y Katherine Whitmore que está debatiendo si sacar las cartas de Salinas a la luz o no. Entre los monólogos se intercalan pequeñas escenas a modo de flashblack.

Lidia Navarro y Juan Cañas en ‘Amor, amor, catástrofe’ | Fuente: Teatro Español

La interpretación de los actores fue impecable. Juan Cañas, actor que interpreta a Pedro Salinas, plasmó cómo me imaginaba que era el poeta. Una persona muy enérgica, muy imaginativa, un poco hiperactiva y muy alegre. También elegante y sin dejar a un lado la ideología progresista de la Segunda República. Lidia Navarro, la actriz que encarna a Katherine Whitmore, es en la interpretación que más veía los cambios de época y los escenarios. Es decir, hacía que te situaras rápidamente en el tiempo y espacio que estaba interpretando. Por último, tenemos a Lidia Otón, que interpreta a Margarita Bonmatí, y es, para mí, una de las interpretaciones más difíciles y cansadas. Su actuación es espectacular, porque transmite el dolor que siente al haber encontrado las cartas que Salinas le manda a Katherine. Además, la carga emocional que tiene su personaje es muy elevada.

La puesta en escena es muy sencilla. En ella, podemos encontrar mesas de distintas alturas. Sobre algunas encontramos libros, un teléfono y cajas, donde se encuentran las cartas, fundamentales en la historia. También, se pueden ver sillas que su utilizan, principalmente, para realizar las pequeñas escenas intercaladas en los monólogos. Además, hay que destacar que el escenario da lugar a escenas muy dinámicas, es decir, utilizan los pocos elementos que hay en la escena para representar diversos espacios. Si bien es cierto que los actores favorecen el dinamismo haciendo que el espacio escénico esté siempre compensado. La música le da cierto ritmo, ya que intercala música en directo con música que ambienta las escenas. Algo interesante y poco frecuente. Aunque la autora de la obra, Julieta Soria, ya había utilizado ese recurso en su anterior obra Mestiza.

Lidia Otón y Juan Cañas en ‘Amor, amor, catástrofe’ | Fuente: Teatro Español

El vestuario, por su parte, influye en la personalidad y contexto de los personajes. Katherine es una mujer norteamericana, joven y libre. Por ello, va vestida con unos pantalones y un jersey ya que también está influenciada de la modernidad del país en el que reside. Salinas, lleva un traje con chaleco, corbata y un sombrero, muy característico del autor. Y el vestuario de Margarita es un vestido largo blanco, simulando la parte tradicional y un poco ingenua de su carácter.

Si por algo se caracteriza la obra Amor, amor, catástrofe es por no poder dejar de aplaudir una vez finalizada la representación. Te vas del teatro con la sensación de no saber si la historia que se había representado es ficción, o la parte de vida que se cuenta de Salinas podía haber sucedido así de verdad.

Lidia Navarro, Lidia Otón y Juan Cañas en ‘Amor, amor, catástrofe’ | Fuente: Teatro Español

El anime: milagros y desastres de una industria precaria

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Tras los colores y personajes llamativos, se esconde una industria con luces y sombras

En la mayor parte del mundo se consume anime. No sólo en Japón, el país que lo ideó y le dio forma, sino que con la creciente globalización se ha convertido en un producto propio de la cultura de masas. Los orígenes de este género se remontan a mediados del siglo XX, cuando algunas empresas como Toei Animation comenzaron a producir las primeras series de animación japonesa. Desde aquel entonces, el anime ha experimentado un fenómeno creciente que lo ha convertido en un producto exitoso y global, abriéndole las puertas de los cines y las plataformas de streaming. Gracias a su adaptación, ciertos manga han pasado a la historia como algunas de las franquicias más consumidas de la historia. Entre ellas, podemos destacar Dragon Ball, de Akira Toriyama, Doraemon, de Fujiko Fujio, o Crayon Shin-chan, conocido en España bajo el nombre de Shin-chan, de Yoshito Usui.

La precariedad detrás del éxito

Es un hecho que estas series son conocidas de sobra en los países hispanohablantes, por la profunda influencia que realizaron sobre varias generaciones gracias a su retransmisión en televisión. Veíamos anime sin saberlo, y sin mucho menos conocerlo. Entre bambalinas, no todo es oro lo que reluce. Detrás de los vívidos colores y los dinámicos diálogos, encontramos una industria altamente precaria. Los animadores japoneses viven por y para trabajar, soportando condiciones infames y con sueldos muy inferiores a lo que merece su trabajo. Sin embargo, el talento y la dedicación de estos profesionales prevalece en su trabajo, siendo capaces de crear obras que dejan una profunda impronta en niños y adultos.

Grandes proyectos terminados en fracaso

Al igual que hablamos de series legendarias, también podemos hablar de fracasos históricos en la industria de la animación japonesa. Uno de los más recientes fue la segunda temporada de la adaptación del manga Yakusoku no Neverland, publicado en la Weekly Shonen Jump, la revista de manga más popular de Japón. Las ventas de Neverland le hicieron merecer una adaptación animada, cuya primera temporada fue un profundo éxito. Sin embargo, la segunda fue una historia muy distinta. Uno de los principales errores que abocó la serie al fracaso fue no seguir el guion directo del manga, optando por confeccionar una historia propia para la serie.

Algunos fans que habían leído previamente el manga se molestaron con el estudio de animación por tomarse demasiadas libertades creativas a la hora de adaptar la obra. El punto álgido del fracaso de esta obra llegó en el décimo episodio, de cuyos créditos de guion nadie se hizo responsable. Este es un ejemplo perfecto de cómo un manga exitoso puede recibir una adaptación animada merecedora del título de «peor anime de la generación».

Fanart de los personajes de Yakusoku No Neverland
Fanart de los personajes de Yakusoku No Neverland | Fuente: Yakusoku No Neverland

Éxitos sin precedentes

Sin embargo, existen ejemplos completamente opuestos al caso de Neverland. Mangas que ocupaban una posición acomodada durante su serialización, que experimentaron un boom gigantesco gracias a su adaptación al anime. Existen muchos ejemplos a lo largo de la historia, pero dos de los más recientes son Kimetsu no Yaiba (Guardianes de la Noche en España) y Jujutsu Kaisen. Ambas son series que, al igual que Neverland, nacieron en la Weekly Shonen Jump. Registraron ventas medias que les permitían seguir en la revista cada semana. Sin embargo, no fue hasta la producción del anime cuando se convirtieron en licencias multimillonarias.

Las adaptaciones, a cargo de los estudios Ufotable y MAPPA, se convirtieron en los éxitos del año en el mundo del anime. Cientos de productos variados, desde alimentos hasta utensilios de cocina, fueron tematizados con los personajes y diseños de estas series. Gracias a la popularidad aportada por la serie, las ventas de ambos mangas se dispararon. Una de las más recientes muestras de éxito que han dado estas series es la película de Kimetsu no Yaiba, El Tren Infinito, que ha batido todos los records de audiencia y recaudación en el país nipón. La película ha llegado recientemente a España de la mano de Selecta Visión, donde el éxito ha sido proporcional al japonés. En cuanto a Jujutsu Kaisen, el anime producido por MAPPA ha catapultado a la franquicia al estrellato, convirtiéndose en el nuevo anime de moda.

Exposición del manga Jujutsu Kaisen en Japón | Fuente: Jujutsu Kaisen

El poder de la animación

Estos ejemplos son una clara representación del poder del anime, una herramienta capaz de catapultar una serie al estrellato y de enviarla al abismo de las críticas. Sin embargo, estos casos son una clara polarización. La mayoría de series adaptadas al anime sufren un aumento moderado de popularidad en Japón, propiciando la licencia de las obras en otros países. Así aumenta la audiencia de las obras, traduciéndose en ingresos. El anime es una herramienta de promoción de la cultura japonesa, el cool japan que fascina a millones de personas alrededor del mundo. Para el futuro, esperemos que las condiciones laborales de los animadores involucrados en esta industria mejoren significativamente.